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Institution

Die European Kunsthalle versteht sich als Basis für ein breites Spektrum an Kunstformen, die bekannte wie noch nicht etablierte Ansätze der Gegenwartskunst umfasst und disziplinenübergreifend und experimentell vorgeht. Sie begreift sich als Forum, das dem Aspekt der künstlerischen Produktion eine ähnlich große Bedeutung beimisst wie der Präsentation und der Reflexion von Kunst und Kultur. Sie weiß um den Stellenwert einer fundierten Recherche und entwickelt der Vielfalt künstlerischer Medien gemäß innovative Formate des Ausstellens.

Die European Kunsthalle wurde 2005 initiiert, um Konzepte und Potenziale des Modells Kunsthalle perspektivisch weiterzuentwickeln. Als diskursive Plattform ohne eigenen Raum entwickelte die European Kunsthalle in den zwei Jahren ihrer Gründungsphase eine eigene Form institutionellen Handels.

Zwischen 2008 und 2010 lokalisierte sich die European Kunsthalle in Köln mit dem Projekt „European Kunsthalle c/o Ebertplatz“ (2008/09), einer temporären Verortung auf dem innerstädtischen Kölner Ebertplatz. Parallel zu diesen Aktivitäten kuratierte die European Kunsthalle eine Serie von Ausstellungen im Ausstellungsraum des Goethe Institut New York, Ludlow 38 (2009/10).

Die aktuelle Ausrichtung der European Kunsthalle setzt stärker als noch zuvor auf ein explizit dezentrales Handeln und auf Kooperation. Als Institution ohne festen Ort zielt die European Kunsthalle auf performative Präsenz: Sie existiert jeweils dort, wo ihre Projekte stattfinden.

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Aktuell

European Kunsthalle @ chambre d’amis

Katrin Mayer: Forbidden Symmetries. Letter 01 (European Kunsthalle), Vienna 2015

Akademie der Bildenden Künste / Semperdepot, Wien, 3.–17. Juni 2015

In einem Kristall sind die Atome bzw. Moleküle in einer periodischen Struktur angeordnet, die sich in jeder der drei Raumrichtungen wiederholt. Jede Zelle ist von Zellen umgeben, die ein identisches Muster bilden. In einem Quasikristall sind die Atome bzw. Moleküle hingegen „quasiperiodisch“ angeordnet. Zwar zeigen die Atome eine regelmäßige Struktur, jede Zelle ist jedoch von einem jeweils anderen Muster umgeben. Quasikristalle werden deshalb auch als verbotene Symmetrien bezeichnet. Schneidet man einen Quasikristall durch, zeigt die Schnittstelle die so genannte Penrose Parkettierung: ein aperiodisches Kachelmuster, das eine Ebene lückenlos füllen kann, ohne dass sich dabei ein Grundschema in regelmäßigen Intervallen wiederholt.

Katrin Mayer verbindet in „Forbidden Symmetries“ Überlegungen zu Quasikristallen und den geometrischen Mustern, die diese aufweisen, mit der Technik des Klöppelns. Auch diese Frauen vorbehaltene Textilkunst basiert auf mathematischen und geometrischen Berechnungen, die symmetrische Muster hervorbringen. Klöppelspitzen entstehen aus dem systematischen Verdrehen, Verknüpfen und Verschlingen verschiedener Fäden. Grundlage jeder Spitze bildet eine Mustervorlage, der Klöppelbrief, der diese Prozesse beschreibt: eine geometrische Zeichnung, die als Skript dient. Obschon Klöppelspitzen als textile Verzierung am Rande gedacht sind, verbirgt sich in ihren eine hochkomplexe abstrakte Logik, die Serialität und Geometrie mit einer aus Naturformen abstrahierten Ornamentik verbindet. „Forbidden Symmetries“ überträgt entsprechend eine quasikristalline Struktur in eine raumgreifende Spitze, die vor Ort anhand eines eigens erstellten Klöppelbriefes erstellt wird.

Gottfried Semper (1803-1879) stellt in seinen Schriften wiederholt Verbindungen zwischen Knoten, die er als die ältesten technischen Symbole beschreibt, Netzwerken, Geflechten, Spitzenwerken, Matten, Geweben und Architektur her. Im Rückgriff auf Semper und dessen aus dem Textilen abgeleiteter Revision der ästhetischen wie ideologischen Polarisierungen von Schein und Sein, autonomer Schöpfung und Dekoration entfaltet Katrin Mayer ihrerseits eine visuelle wie diskursive Verknüpfung verschiedener Überlegungen zum Klöppelwerk als Zusammenspiel verknüpfter und verschlungener Fäden: als Körper ohne Rahmung und als Material, das sich zum Umraum verhalten muss. Die geheime Sprache des Klöppelbriefs spielt dabei ebenso eine Rolle wie die abstrakte Übertragung disparater Erkenntnisfelder aufeinander, die ihrerseits ein neues Beziehungsgeflecht entstehen lässt.

Desire Lines. A Symposium on Experimental Institutional Formats.

David Roberts Art Foundation, London, 28−29 November, 2014 

In 1967, the British artist Richard Long walked a straight line back and forth across a field in an improvised track, until his steps flattened the grass. Predetermined paths do not always lead to a desirable destination, and they are often not direct enough. Over time, walkers wear away regulated groundcover to create “desire lines,” maps of longing. This project borrows its title from Long’s work in order to reflect on what it presently means for a contemporary art institution to commit to critical modes of working with artists and curators. Its focus on artistic programmes will enable different actors to expand on present-day research interests, modes of production and display, and how these curatorial practices can shape the institution that generates them. The institutions invited for this symposium show divergent concepts of what a contemporary art institution is, how it functions and the social responsibilities behind them. As curators and producers, how do we handle and work with these complexities?

The first day takes the format of a forum on the differences and similarities between the institutions and their respective specificities and strategies, concluding with a discussion mediated by Vanessa Joan Müller (Director, European Kunsthalle). The second day takes a more theoretical stance as speakers discuss notions of desire. In this context, desire is considered as a necessity that is never fulfilled but that always has to be reconstituted, which reconfigures itself according to one’s position and identity; in Lacan’s words, to desire is to answer the question ‘What does the Other desire?’ The day uses the notion of desire as an entry point for discussing the production of an institutional identity: how do we produce desire through a programme of diverse creative activities? What constitutes this desire within an ongoing process of redefinition and self-awareness? How can each organisation’s vision effectively respond to present situations while inspiring audiences, artists and collaborators?

The invited institutions, all founded after 2007 and based in Egypt, Germany, Lebanon, the Netherlands, Portugal and the United Kingdom have positioned their identities not solely within expectations of the market and audiences, but through their commitment to research and focus on non-traditional programmes and formats. Framed within, yet not defined by, socio-political, economical and spatial contingencies, this symposium presents an opportunity to reflect on how these differences and similarities can be negotiated and transformed into a productive and feasible discourse and practice.

98weeks is directed by Zeina Assaf and co-founded by Mirene and Marwa Arsanios. Based in Beirut (LB) it is conceived as a research project that shifts its attention to a new topic every 98 weeks. Since opening in 2007, it focuses on artistic research, combining both theoretical and practical forms of inquiry.

Beirut is an exhibition space in Cairo (EG), co-directed by Sarah Rifky, Jens Maier-Rothe and Antonia Alampi. Since opening in 2012, it considers institution building as a curatorial act. Beirut hosts artists, artworks, research projects and other institutions (locally, regionally, internationally) that wish to engage with shared questions concerning politics, economy, education, ecology and the arts.

Kunsthalle Lissabon directed by Joao Mourao and Luis Silva is based in Lisbon (PT). It was founded in 2009 as a wish for self-reflexivity for thinking about the existing conditions for the development and perception of a so-called institutional practice.

PRAXES Center for Contemporary Art is a not-for-profit venue for international contemporary art and research based in Berlin (DE). Founded in 2013 by Rhea Dall and Kristine Siegel, it investigates the objects, process and interactions that combined constitute an artistic practice, through half-year cycles centered on the full span of work of two unassociated artists.

Rongwrong is a space for art and theory based in Amsterdam (NL), run by Arnisa Zeqo and Antonia Carrara, with Laurie Cluitmans and Vincent Verhoef. Opened in 2011, it explores recurrent questions concerned with the constant friction between the inner self and the theoretical, professional and artistic practices that describe and inscribe us in daily life.

Desire Lines is a project conceived and organised by Nicoletta Lambertucci (Curator, DRAF) with Sofia Lemos (Curatorial Assistant, DRAF) and produced by DRAF (David Roberts Art Foundation) in collaboration with European Kunsthalle and Goldsmiths MFA Curating.

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Vorschau

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Archiv

In Bewegung. European Kunsthalle @ KUB Arena, Kunsthaus Bregenz

V

27. April–30. Juni 2013

Yane Calovski, David Maljkovic, Dorit Margreiter, Nick Mauss, Charlotte Moth, Stephen Willats, Johannes Wohnseifer

Projektbasiert, performativ, in Bewegung: So könnte die Vorgehensweise der European Kunsthalle beschrieben werden. 2005 in Köln initiiert, existiert sie als Institution jeweils dort, wo ihre Projekte stattfinden. Die European Kunsthalle manifestiert sich als Ereignis, erscheint, um wieder zu verschwinden und andernorts erneut aufzutauchen. Diese Betonung des Offenen, Prozesshaften überführt die Vorstellung einer räumlichen Verortung in ein fließendes Konzept, dessen Fokus verstärkt auf künstlerischen Prozessen liegt.
Die Präsentation in der KUB Arena stellt diesen Aspekt des Performativen, des Erscheinens und wieder Verschwindens von temporären künstlerischen Räumen ins Zentrum. Sie greift Aspekte vergangener Aktivitäten der European Kunsthalle auf und stellt zugleich künstlerische Positionen vor, die das Prinzip des Ereignishaften mit der Reflexion von Fragen zu kulturellen, sozialen und institutionellen Räumen verbinden.
So entwirft die Künstlerin Dorit Margreiter gemeinsam mit den Architekten Lina Streeruwitz und Luciano Parodi eine raumgreifende Ausstellungsarchitektur, die einen früheren Entwurf für die European Kunsthalle in Köln weiterdenkt. Modular angelegt, hatte die österreichische Künstlerin in Köln eine temporäre Raumstruktur geschaffen, deren letztes, damals nicht verwirklichtes Element sie nun in veränderter Form in Bregenz zur Aufführung bringt. Stephen Willats, der 2009 mit seiner multimedialen Arbeit In And Out The Underworld für den Kölner Ebertplatz den sozialen Aspekt dieses spezifischen Orts modellhaft fasste, präsentiert dieses Werk in einer eigens für Bregenz veränderten Version.
Während der mazedonische Künstler Yane Calovski, dessen Werk um Strukturen institutioneller und persönlicher Erzählungen kreist, in einer neuen Arbeit eine subjektive Lesart der Geschichte der European Kunsthalle vorschlägt, führt David Maljkovic in Display for Lost Pavilion at Metro Pictures, New York und Temporary Projection seine Auseinandersetzung mit den Präsentationsformen des Ausstellens und deren Reduzierung auf ihre Objekte fort, indem er einen Filmprojektor ohne Film und ein Soundsystem ohne Ton entwickelt. Johannes Wohnseifer wiederum präsentiert in einer Serie von Fotografien eine andere, ungewohnte Nutzung des musealen Raums. 1998 hatte er den Skateboarder Mark Gonzales eingeladen, speziell geschaffene Skulpturen als Rampen für eine Performance in den Sammlungsräumen des Städtischen Museums Abteiberg in Mönchengladbach zu nutzen. Nick Mauss und Charlotte Moth schließlich entwickeln neue Arbeiten für die Bregenzer Ausstellung.
Nach der Kooperation mit dem Van Abbemuseum, Eindhoven, im Jahr 2011 hat die KUB Arena zum zweiten Mal eine Institution eingeladen, die in ihrer Arbeitsweise und ihrer Programmatik viele Gemeinsamkeiten mit den Aktivitäten der KUB Arena aufweist.

Kuratiert von Vanessa Joan Müller & Astrid Wege (European Kunsthalle) und Eva Birkenstock & Yilmaz Dziewior (Kunsthaus Bregenz).

 

Themenwochenende 8. / 9. Juni 2013  
Das Themenwochenende widmete sich in Vorträgen und Talks den Potenzialen wie auch den Herausforderungen einer performativen Kunsthalle 

„Performative Kunsthallen“, Talk mit Vanessa Joan Müller (European Kunsthalle), Joao Murao (Kunsthalle Lissabon), Luis Silva (Kunsthalle Lissabon) und Astrid Wege (European Kunsthalle)

„Keine Bleibe. Die Konjunktur des Nomadischen und der Spatial Turn“, Vortrag von Karen van den Berg (Professorin für Kunsttheorie, Zeppelin Universität Friedrichshafen), Moderation: Eva Birkenstock

„Erscheinen und Verschwinden“, kommentiertes Filmprogramm mit Werken von Oliver Husain, Matthias Meyer, Charlotte Moth und Mario Pfeiffer.

„Temporäre Räume für die Kunst“, Talk mit Dorit Margreiter (Wien) und Nikolaus Hirsch (Frankfurt am Main), Moderation: Vanessa Joan Müller

„Recount Redrawn“, Künstlergespräch mit Yane Calovski (Skopje) und Astrid Wege

 

 

Melvin Moti

V

8. September–20. Oktober 2012, Glasmoog, Köln

Die European Kunsthalle und Glasmoog, Kunstraum der Kunsthochschule für Medien Köln, präsentieren gemeinsam eine Einzelausstellung des niederländischen Künstlers Melvin Moti (*1977). Moti reflektiert in seinen Filmen und Installationen auf subtile und zugleich formal radikale Weise Phänomene des Sichtbaren wie des Unsichtbaren und setzt diese in Bezug zu historischen Ereignissen und Erzählungen.

„The Cosmic Community“ bringt die beiden als Diptychon konzipierten 35mm-Filme „Eigengrau“ (2011) und „Eigenlicht“ (2012) zum ersten Mal in einer Ausstellung zusammen. Beide Filmtitel beziehen sich auf physiologische Phänomene und beschreiben die Farbe, die man in völliger Dunkelheit sieht – die ohne Lichteinwirkung oder andere physikalische Stimulierung existierende Lichtempfindung eines grauen Farbtons. Beide Filme gehen von musealen Sammlungen aus: „Eigengrau“ bezieht sich auf die berühmte Kunst- und Design-Sammlung des Victoria and Albert Museum in London, „Eigenlicht“ auf die Mineralien-Sammlung des National Museum of Scotland in Edinburgh. In Eigenlicht schweben unter UV-Licht leuchtende Gesteinsbrocken durch den dunklen Raum, die eine unheimliche Schönheit ausstrahlen und jegliche Vorstellung von ihrer realen materiellen Größe unmöglich machen. In ähnlicher Weise zeigt Eigengrau dekorative kunsthandwerkliche Objekte in langsamen suggestiven Bildern von hypnotischer Brillanz, losgelöst von jeglichem Kontext und scheinbar schwerelos. Genau wie jene Schwebeteilchen auf der Oberfläche der Augen, die nur in ihrer Flüchtigkeit wahrgenommen werden können, erscheinen und verschwinden die Objekte auf den dünnen Membranen zwischen verschiedenen Welten der Wahrnehmung.

Melvin Moti hatte zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland, unter anderem Einzelausstellungen in der Staatsgalerie Stuttgart, dem National Museums of Scotland (Edinburgh), der Kunsthalle Lissabon, im Mudam (Luxemburg), Wiels (Brüssel), Galleria Civica (Trento), Stedelijk Museum (Amsterdam) und MMK (Frankfurt).

Mit freundlicher Unterstützung durch die Mondriaan Stichting und die Niederländische Botschaft.

 

Abbildungen aus der Publikation „Eigenlicht“.

 

 

Kunst Film Kino

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8. Oktober 2012, Filmclub 813 im Kölnischen Kunstverein

Die Reihe KUNST. FILM. KINO.  startet mit Filmen von Manon de Boer. Zu sehen sind „Two Times 4’33’’“ (2008) sowie „Think about Wood, Think about Metal“ (2011).

Für „Two Times 4’33’’“ lud de Boer den Brüsseler Pianisten Jean-Luc Fafchamps ein, zweimal John Cages Komposition 4’33’’ in einem Aufnahmestudio vor Publikum zu spielen. In einer einzigen Einstellung zeigt die Kamera seine Aufführung von Cages „stummer“ Komposition mit drei Akzentuierungen, die in Cages Notation an den Stellen 1’40’’, 2’23’’ und 30’’ markiert sind und die der ansonsten ruhige und in sich versunkene Pianist interpretiert, indem er einen Sekundenzähler bedient. Auf 35mm gefilmt, ist dieser erste Teil mit dem aufgenommenen Studioton synchron. Für den zweiten Teil des Films hat de Boer den Ton von Fafchamps Spiel vollständig herausgeschnitten bis auf das Klicken des Sekundenzählers bei 1’40’’, 2’23’’ und 30’’. Wie im ersten Teil bewegt sich die Kamera in einem langen Schwenk auf den Pianisten zu, filmt dann jedoch einzeln alle Mitglieder des Publikums und wandert schließlich durch die Studiotür nach draußen.

„Think about Wood, Think about Metal“ (2011) ist nach „Sylvia Kristel – Paris“ (2003) und „Resonating Surfaces“ (2005) der letzte Teil einer Trilogie filmischer Porträts über die 1970er Jahre. Die Protagonistin dieses dritten Filmes ist die Percussionistin Robyn Schulkowsky, die mit Komponisten wie John Cage, Karlheinz Stockhausen, Derek Bailey, John Zorn, Frederic Rzewski und Christian Wolff zusammenarbeitete. Ausschnitte über das Leben und Denken von Schulkowsky werden mit der Geschichte der Avantgardemusik seit den 1970er Jahren kurzgeschlossen. Rhythmus und eine nicht-lineare Zeitstruktur spielen dabei eine wichtige Rolle und verwandeln abstrakte Themen wie Erinnerung, Vergangenheit und Leben in eine filmische Erfahrung, Bild und Ton entwickeln häufig ihre eigene zeitliche Logik. So wird die Linearität der Zeit durchbrochen, Momente des Zweifelns oder Zögerns blitzen auf und die filmische Erfahrung lokalisiert sich im Hier und Jetzt des Zuschauens und insbesondere des Zuhörens.

European Kunsthalle c/o Ebertplatz

V

„European Kunsthalle c/o Ebertplatz“: Der Titel steht programmatisch für eine neue Phase der European Kunsthalle. Sie verortet sich in Gestalt einer temporären künstlerischen Raumstruktur auf dem Kölner Ebertplatz, entworfen von der in Wien lebenden Künstlerin Dorit Margreiter, die 2009 im österreichischen Pavillon der Biennale in Venedig vertreten ist.

Ausgehend von dem im Juni 2008 eröffneten Projektbüro der European Kunsthalle in der Ebertplatzpassage definiert Dorit Margreiters Raumkonzept einen konkreten wie experimentell gestaltbaren Handlungsrahmen für Präsentationen und Veranstaltungen internationaler Kunst. Kunst und Architektur werden zu Katalysatoren einer anderen Wahrnehmung und Nutzung des öffentlichen Raums und der Veränderung urbanistischer Strukturen.

Mit der schrittweisen Realisierung der modularen Raumchoreografie markiert Dorit Margreiter das Modell einer temporären Kunsthalle im urbanen Außenraum. „European Kunsthalle c/o Ebertplatz“ zielt auf einen kommunikativen Austausch zwischen Kunst und Publikum. Sie begreift sich als Handlungsraum, in dem durch und mit Kunst Öffentlichkeit entsteht – Fragestellungen, die von zentraler Bedeutung sind für eine Institution zeitgenössischer Kunst.

Bilder:
1) Dorit Margreiter, Raumkonzept für die European Kunsthalle c/o Ebertplatz, 2008, Rendering: © SHBK

2) Installation

 

European Kunsthalle @ Ludlow 38, New York

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17. April–16. Mai 2010 

Lara Almarcegui widmet ihre künstlerischen Untersuchungen den mannigfaltigen Wirklichkeiten gebauter (Lebens-)Umwelt. Sie geht hierbei der Frage nach, welche Ausschweifungen, aber auch Abwesenheiten im Städtebau manifest werden. Für die Ausstellung erkundete die Künstlerin die urbane und ökologische Textur der Stadt New York. Die neue, aus zwei Teilen bestehende Arbeit erforscht derzeit ungenutzte Flächen entlang des Flushing River in Queens. Obwohl sich der Flushing River nur über eine Länge von vier Meilen erstreckt, entstanden im Rahmen seiner Erschließung zahlreiche Areale, deren aktuelle Funktion nicht definiert ist. Ein Teil dieses Ödlandes ist zwar als Wiederaufbereitungsfläche für Parks oder Wohngebiete vorgesehen, dennoch bietet der Großteil des Gebiets Möglichkeit, Prozesse des Verfalls und der Verwilderung zu beobachten.

Die in der Galerie präsentierte Publikation Guide to the Wastelands of Flushing River besteht aus Fotografien von zwölf Orten in Queens, begleitet von pointierten Beschreibungen der Geschichte, der aktuellen Situation und möglichen Zukunft dieser Plätze. Die Besucher/innen sind eingeladen, die Broschüre mitzunehmen und vor Ort die Gegend selbst zu erkunden. Eine Diaprojektion zeigt eine Reihe von Aufnahmen, die Almarcegui während ihrer Exkursionen entlang des Flushing River machte. Sie erstrecken sich von seiner Quelle über Willow Lake und Flushing Meadows Corona Park, dem Ort, an dem 1939 und 1964 die Weltausstellung stattfand, bis zur Mündung in Flushing Bay.

Darüber hinaus präsentiert die Ausstellung eine Auswahl an Materialien, die sich auf Almarceguis aktuelles, noch unabgeschlossenes Projekt Going Down Into a Tunnel Excavation  beziehen. Hierbei geht es um das Vorhaben, Führungen durch derzeit laufende oder kürzlich abgeschlossene Ausschachtungen in der Stadt zu organisieren.

Einen Kontrapunkt zu den neuen Projekten bildet eine Gruppe älterer Arbeiten. Für Construction Materials Sao Paulo City (2006) errechnete Almarcegui aus offiziellen Angaben, wie viel Material für den Bau von São Paulo, seine Gebäude (Geschäfte, Wohnungen, Institutionen und Industrieanlagen), Elendsviertel, Straßen und das U-Bahn-System verwendet wurde. Die Diaprojektion Exploring the Floor, Sala Moncada, Fundación La Caixa, Barcelone (2003) dokumentiert die Demontage und den erneuten Aufbau eines Steinbodens in einem Ausstellungsraum.

Lara Almarcegui wurde 1972 in Saragossa, Spanien, geboren und lebt in Rotterdam, Niederlande. Ihre Arbeiten waren bisher u. a. in der Liverpool Biennale, 2004, der São Paulo Biennale, 2006, der Gwangju und Taipei Biennale, 2008, und den Biennalen in Ramallah und Athen, beide 2009, zu sehen. Zu aktuellen Einzelpräsentationen zählen Ruins in the Netherlands in der Ellen de Bruijne Gallery, Amsterdam, und bei Pepe Cobo, Madrid, sowie Bilbao Wastelands bei Sala Rekalde in Bilbao, alle 2008.

Mit Lara Almarceguis erster Einzelausstellung in den USA beschließt die European Kunsthalle ihre kuratorische Zusammenarbeit mit Ludlow 38 – und betont auch in dieser Präsentation das diskursive Potenzial zeitgenössischer Kunst sowie die institutionelle Zielsetzung, neue Kunstproduktionen zu ermöglichen. 

Ludlow 38 wird gesponsert durch MINI und Friends of Goethe. Die Ausstellung wurde zusätzlich gefördert durch State Corporation for Spanish Cultural Action Abroad (SEACEX) und Directorate General For Cultural And Scientific Relations. Spanish Ministry of Foreign Affairs and Cooperation.

KölnShow2

V

19. April – 26. Mai 2007

Auf dem Weg zu einer zukunftsorientierten Neugründung einer Kunsthalle in Köln präsentiert die European Kunsthalle in Kooperation mit 18 Kölner Galerien ein ungewöhnliches Ausstellungsprojekt: Die KölnShow2. Das Konzept dieser Ausstellung knüpft an „The Köln Show“ von 1990 an, ein legendäres Gemeinschaftsprojekt, das damals von neun Kölner Galerien konzipiert wurde. In ihren Schauräumen zeigten die Galerien junge und noch nicht etablierte Künstlerinnen und Künstler, von denen heute viele einen feste Größe in der internationalen Kunstwelt sind.
Mit seinen vielen Galerien, Künstlerräumen und -treffpunkten war Köln in den 1980er und frühen 1990er Jahren neben New York das bedeutendste Zentrum des internationalen Kunstmarktes, ein Aktionsfeld, in dem sich KünstlerInnen, GaleristInnen und SammlerInnen selbstbewusst inszenierten und die günstigen Bedingungen des urbanen Umfelds ebenso zu nutzen wie zu definieren wussten. „The Köln Show“ reflektierte dieses spezifische Verhältnis zwischen Kunstproduktion, Kunstszene und Kunstmarkt in der Rheinmetropole.

Im April und Mai 2007 präsentiert die European Kunsthalle die KölnShow2. In einer fünfwöchigen Ausstellung zeigen sie eine Auswahl der internationalen jungen Kunstszene in 18 ausgewählten Galerien Kölns. Die KünstlerInnen werden in den Galerien parallel zum eigenen Programm gezeigt. Mit der Wiederaufnahme dieses Projekts thematisiert die European Kunsthalle den Wandel der Kunststadt Köln seit 1990 wie auch die gegenwärtigen Verflechtungen von Institutionen der zeitgenössischen Kunst und dem Kunstmarkt. Die KölnShow2 stößt ins Zentrum des Mythos von der Kunststadt Köln, sie bündelt ihre Kräfte und setzt als publikumsnahes und kooperatives Ausstellungsprojekt ein medienwirksames Zeichen für die Aktivitäten einer zukünftigen Kunsthalle.

Kuratoren: Nicolaus Schafhausen, Florian Waldvogel
Kuratorische Assistenz: Annette Hans
Projektkoordination: Julia Moritz, Wiebke Kayser
Assistenz: Martina Burgwinkel, Kristina Scepanski

Beteiligte Galerien: BQ, Daniel Buchholz, Luis Campaña, Gisela Capitain, Fiebach & Minniger, Frehrking Wiesehöfer, Vera Gliem, Hammelehle & Ahrens, Michael Janssen, Johnen + Schöttle, Linn Lühn, Mirko Mayer, Christian Nagel, Thomas Rehbein, Sabine Schmidt, Schmidt Maczollek, Otto Schweins, Monika Sprüth / Philomene Magers

 

David Blandy
Galerie Vera Gliem

Für seine Videoarbeiten greift der britische Künstler David Blandy (*1976, London) auf einen großen Fundus an populärem Kulturgut zurück, den er nachahmt. Von Computerspielen und Filmen über Comics und Sprache bis hin zur Musik eignet er sich kulturelle Praktiken an, die er auf ihr gruppen- und identitätsbildendes Potential hin untersucht. In „I Am“ (2003/04) wiederbelebt und personalisiert Blandy eine Schlüsselszene aus dem Film „Star Wars“: Am Küchentisch stehen sich der Künstler und sein Vater gegenüber und sprechen mit den unterlegten Stimmen von Darth Vader und Luke Skywalker die Szene, in der Skywalker erfährt, dass Darth Vader sein Vater ist. Das Video, das in der Galerie Vera Gliem gezeigt wird, untersucht auf humorvolle Weise die ambivalenten Beziehungen zwischen Vater und Sohn. In der „Barefoot Lone Pilgrim“-Serie (2004/06) macht sich Blandy in Abenteuer auf, die auf dem Computerspiel „Street Fighter Zero 2“ basieren und die Lehrreise des Protagonisten Ryu antizipieren, der seine Kampfkunst zu perfektionieren sucht. Der Zusammenschnitt von Blandys eigener Reise auf der Suche nach der Soul(-Musik) mit verschiedenen Filmsegmenten machen aus seinem Video die Verfilmung eines durch Populär- und Medienkultur geprägten Bildungsromans. Identitätsbildung definiert sich über die Nachahmung und teilweise Aneignung von fiktionalen und in anderen Kulturen geprägten Rollen.

 

Simon Denny
Galerie Sprüth Magers

Die Arbeiten des Neuseeländers Simon Denny (*1982, Auckland) tragen eine Spannung in sich, die aus einem Zugleich von Bewegung und Stillstand resultiert. Seine Skulpturen bedürfen einerseits Wände, um ihre Haltung zu bewahren, und widerstreben gleichzeitig deren Begrenzung. Unsicher und direkte Berührungen vermeidend, stehen sie als einzelne Objekte auf schmalen Holzleisten oder -platten im Raum. Indem sie Zwischenräume zu bewahren suchen und jedes Objekt sich als Einzelnes platziert, lassen sie Zweifel an ihrer Standfestigkeit aufkommen. Wolldecken und rohe, industriell gefertigte Holzplatten gehen fragile Beziehungen mit Plastiktüten, Kleidungsstücken, Luftballons und (Zeitungs-)Papier ein. Scheinbar soeben zusammengeknüllte hinterlassene Stoffteile erzählen sowohl von ihrem Nutzen und ihrem ephemeren Dasein als Gebrauchsgegenstände als auch von der Arbeit des Künstlers. In der Galerie Sprüth Magers präsentiert sich dem Betrachter eine melancholische Bühne der Ambivalenz, die beispielhaft in einer statischen Wandarbeit zum Ausdruck kommt, die durch die durch elektrische Spannung unsichtbar still gestellt wird.

 

Maya Hayuk
Galerie Schmidt Maczollek

Maya Hayuk (*1969, Baltimore) entwirft Werbeplakate, CD-Cover, T-Shirt- und Skateboarddesigns, malt auf Scheunen- und Häuserwänden, in Skateparks und Hotelräumen, zeichnet und fotografiert. Hayuks großer Aktionsradius steht in engem Zusammenhang mit ihrem Interesse an Kollaborationen der verschiedensten Art: Die Arbeiten der amerikanischen Künstlerin entwickeln ihre eigene Dynamik aus gemeinsamen Projekten mit anderen Künstlern und Musikern ebenso wie aus einem Fundus an Formen und Bildern, der sich aus verschiedenen Kulturen und Kontexten speist. Hayuk, die in der Galerie Schmidt Maczollek eine Wandmalerei zeigt, aktiviert die umfangreichen Einflüsse und bringt sie in ihre Bildwelt ein. In fließenden Bewegungen und kräftig bunten Farben ergießen sich Pflanzenwelten zu einem Pop-Paradies. In anderen Bildern breiten sich verschlungene Linien organischer Muster oder geometrische Formen aus und rhythmisieren die ungestüm wirkenden Kompositionen. Nackte Menschen verknäulen sich zu orgiastischen Zusammenkünften oder erforschen einander auf intimste Weise: ihre Arme durchdringen gegenseitig ihre Körper und verwandeln sich in Bäume und Blätter. In Hayuks Bildern kündigt sich die Idee von einem glücklichen Zusammenleben in einem „Kingdom of Awesome“ an.

 

William Hunt
Performance

Die Arbeiten des britischen Künstlers William Hunt (*1977, London) wurzeln in den Performances der 1960er und 70er Jahre. Wenn er in „Rodeo/Radio“ (2004) auf einer überdimensionierten, sich drehenden Schallplatte Gitarre spielt und dazu singt, bis er hinunter fällt, wieder aufsteht, dann weiter singt und sich dies in immer kürzeren Intervallen wiederholt, werden Grenzen des körperlich Ertragbaren ausgelotet. Hunt setzt sich in seinen Performances als isoliertes Individuum unterschiedlichen Gefahrensituationen aus, denen er gesellschaftliche und soziale Handlungen oder Formen der Kommunikation wie Gesang entgegensetzt. Aufgrund der körperlichen Anstrengung oder weil er wie in „Put Your Foot Down“ (2006) 20 Minuten unter Wasser in einem BMW sitzt und aus einem Sauerstofftank atmend singt, ist der Gesang kaum oder nur schwer verständlich. Die kommunikative Dimension des Songwritings geht in scheinbar leeren Gesten verloren. Der Künstler mimt in seinen Arbeiten große Taten, die in einer tragischen Endlosschleife aus groß angelegtem Versuch und schlussendlichem Versagen gefangen bleiben und den Zuschauer mit einem unbestimmten Gefühl zurücklassen.

 

Jesper Just
Johnen + Schöttle

In seinen Filmen lässt der junge Däne Jesper Just (*1974, Kopenhagen) die narrativen Strukturen unterschiedlicher Genres ineinander laufen. Die Brillanz seiner Filmbilder, ihr komprimierter Inhalt und die minimalistischen Handlungen der Figuren beschwören die visuellen Klischees klassischer Hollywoodfilme herauf und erinnern gleichzeitig an inszenatorische Techniken aus Werbeproduktionen oder Theater. „Invitation to Love“ (2003) spielt in einem mit Gemälden ausstaffierten Repräsentativraum eines historischen Gebäudes. Die kühle Aura des Ortes wie die bewegungslosen Blicke der in den Gemälden Portraitierten bilden das perfekte Setting für die weitestgehend voneinander isolierten Aktivitäten der Personen. Die Handlung wird von zwei Männern getragen, von denen der ältere sich dem jüngeren anzunähern versucht – zunächst durch verdeckte Gesten, später dann, durch eine dritte Person ermutigt, in einem skurrilen Tanz auf dem Tisch. Die Arbeit, die Just bei Johnen + Schöttle präsentiert, gehört zu einer Reihe von Filmen, die um die Beziehung zwischen einem älteren Herrn und einem jungen Mann kreisen, ohne die psychoemotionale Konstellation, in der die beiden zueinander stehen, aufzulösen. Stattdessen bieten die suggestiven Bilder in ihrer Vieldeutigkeit eine perfekte Projektionsfläche für die persönliche Erfahrungswelt des Betrachters.

 

Marijn von Kreij
Galerie Sabine Schmidt

Auf Wänden oder A4-Blättern entwirft der Niederländer Marijn van Kreij (*1978, Middelrode) seine Welten aus bunten Farbflecken, schwarz-weißen Zeichenstrichen, aus Worten und Satzfragmenten. Oftmals entstehen mehrere, nahezu identische Blätter, auf denen sich scheinbar eben erst entwickelnde Gedanken manifestieren: Es wird notiert und wieder ausgestrichen, „Fehler“ werden wiederholt. Van Kreij formalisiert in seinen Doppelungen das Zufällige und betont den bewussten Kompositionsvorgang hinter den beliebig wirkenden Blättern. Die vermeintlich privaten und in ihren Referenzen an Traumwelten höchst subjektiven und ungefilterten Gedankengänge entpuppen sich oft als Assemblagen von Liedzeilen. Ausgehend von Textfragmenten der Musikkultur entwikkelt sich ein Puzzle aus Assoziationen und Konzepten. So entsteht für die KölnShow2 in der Sabine Schmidt Galerie ein begehbarer Gedankenraum. In „A Thought the Size a Pencil, a Brain the Size an Eraser“ entsteht aus Fotografien, die während kurzen Spaziergängen in der näheren Umgebung gemacht werden, eine Wandzeichnung, die in einem verwirrenden Spiel von Linien Raum und Zeit zusammenzieht. Durch den spielerischen Titel, der einem wissenschaftlichen Artikel über Gehirntransplantationen entnommen ist, werden vielgestaltige Assoziationsketten freigesetzt.

 

Germaine Kruip
Galerie Mirko Mayer

Mit ihren Interventionen macht die niederländische Künstlerin Germaine Kruip (*1970, Castricum) den Betrachter zum eigentlichen Akteur ihrer Arbeiten. In den mit minimalen Mitteln bühnenartig inszenierten Räumen wird sich der Betrachter seiner selbst und seiner das Werk konstituierenden Wahrnehmung bewusst. Indem Kruip die örtlichen Bedingungen aufgreift – sei es der Verlauf von Licht und Schatten im Raum oder der Blick nach draußen –, diese künstlich verdoppelt und der Manipulation unterwirft, fragt sie in ihren Spiegelungen nach dem Verhältnis von Fiktion und Wirklichkeit, von Authentizität und Darstellung. Für ihre sich stetig erweiternde Arbeit „Image Archive“, die sie in der Galerie Mirko Mayer zeigt, sammelt die Künstlerin Bilder aus Zeitungen und Magazinen, die ihr suspekt erschienen und so unwillkürlich ihren Blick auf sich gezogen haben. Als Doppel-Diaprojektion vereint Kruip je zwei Bilder, die in ihrer Ähnlichkeit Zweifel am journalistischen Wahrheitsgehalt wecken. Sie wirft dabei Fragen auf, die über die gängigen Vorbehalte gegen die realitätsgetreue Darstellungskraft von Fotografie hinausgehen: Handelt es sich bei den Bildern um authentische Abbildungen oder um Konstruktionen von Wirklichkeit, die aus einem kollektiven Bildgedächtnis heraus entstehen?

 

Chris Lipomi
Luis Campaña

Der amerikanische Künstler Chris Lipomi (*1975, Miami) kombiniert industrielle Gegenstände des täglichen Gebrauchs zu „exotischen“ Objekten. Durch die Kontextualisierung dieser Ready-mades untersucht er die Aufmerksamkeitsökonomie der globalisierten Welt und entlarvt die Idee des Exotischen als eine rassistische Konstruktion westlicher Kulturen. Lipomi lenkt die Aufmerksamkeit des Rezipienten durch mehrere Kontextverschiebungen auf deren ästhetische Herkunft sowie ihre Doppelfunktion als Gebrauchsgegenstand. Seine Arbeiten erinnern an zeremonielle Objekte, wie sie uns aus ethnologischen Institutionen geläufig sind, und verweisen auf deren Verwertungslogik und die Funktion der Ästhetik als Baustein für kultur-evolutionäre Zuschreibungstechniken. In der Galerie Luis Campaña zeigt Lipomi eine Reihe von Arbeiten, die uns davon überzeugen werden, dass die Transformation von vertrauter Materie in eine ästhetische Sprache als Werkzeug für eine emanzipatorische Kulturkritik dienen kann.

 

Pere Llobera
Galerie Sprüth Magers

Die Malerei des spanischen Künstlers Pere Llobera (*1970, Barcelona) ist eine vielschichtige Mischung aus privaten Welten und unscheinbar wirkenden, alltäglichen Momenten. Die thematische und stilistische Pluralität entzieht sich jeder eindeutigen Klassifizierung. Lloberas zeitlose Panoramen sind immer wieder mit historischen Zitaten besetzt, die er in ein universelles Bezugssystem setzt. Das Vergangene trägt das Zukünftige schon in sich. Diese Hermeneutik erschwert eine eindeutige Definition seiner Arbeiten. Lloberas Arbeiten sind von Kalkül, Präzision und großer Ernsthaftigkeit geprägt. Dabei verbreiten sie eine Melancholie des Scheiterns, ein Gefühl von Unvollkommenheit und die Krise des Ich von uns allen. In der Galerie Sprüth Magers zeigt Llobera von eine Reihe von Arbeiten, die sich aus archahischen und klassischen Motiven rekrutieren. Seine Panoramen verweisen auf historische und aktuelle Bedeutungen, deren dichotome Inhalte sich in der narrativen Malereistruktur andeuten.

 

Keegan McHargue
Luis Campaña

Dort, wo das Kreatürliche auf die grenzenlose Weite des Kosmos trifft, ist der Ort, an dem Keegan McHargue (*1982, Portland) seine Bildwelten entstehen lässt. Zwitterhafte Fabelwesen, menschliche Hybride und komplex anmutende Apparaturen besiedeln die Gemälde und Zeichnungen des jungen amerikanischen Künstlers. Was sich als figuratives Bildprogramm mit erzählerischem Inhalt andeutet, verselbstständigt sich auf der Bildfläche zu farbigen Ornamenten, Liniengeflechten oder planetenhaften Körpern. McHargues Arbeiten, die in der Galerie Luis Campaña gezeigt werden, thematisieren die Übergänge zwischen den verschiedenen Zustandsformen eines Bildes. In ihnen wird die Grenze sichtbar, an der sich die Interaktion der Figuren auflöst und diese isoliert voneinander auf der Bildfläche stehen, wo aus scheinbar narrativen Bezügen formale Zusammenhänge werden und visionäre Weltentwürfe sowie heroische Posen ins Technokratisch-Abgründige kippen. McHargues Methode ist die des Bricoleurs, der vorhandene Bildcodes, kunsthistorische Referenzen und kulturelle Erfahrungen zu vielschichtigen visuellen Informationsclustern zusammenführt.

 

Gareth Moore
Galerie Daniel Buchholz

Der kanadische Künstler Gareth Moore (*1975, Matsqui) beschäftigt sich mit Fragen des Maßstabes, der Materialität und der Wahrnehmungshierarchie. Er adaptiert Gegenstände und Situationen des Alltags und nobilitiert sie – nicht ohne Humor – im Kontext der Kunst. Moore ist ein Archäologe der Gegenwart, der durch die Kombination verschiedener Materialitäten und die Veränderung der Perspektive unseren Blick auf die Wirklichkeit verschiebt. Aber dieses Interesse an scheinbar alltäglichen Dingen, die zu keiner pathetischen Selbstaufladung im Stande sind, ist eine Untersuchung über Aufmerksamkeitsökonomie der kapitalisierten Gegenwart. Es gelingt ihm, unser Rezeptionsverhalten subversiv in Frage zu stellen. Für die KölnShow2 nimmt er uns mit auf eine Reise poetischer Bildergeschichten durch das Antiquariat der Galerie Daniel Buchholz.

 

Tuan Andrew Nguyen
Thomas Rehbein Galerie

Die „Proposals for a Vietnamese Landscape“ (2006/07) von Tuan Andrew Nguyen (*1976, Ho Chi Minh) unterlaufen die traditionell von der Regierung unterstützten Repräsentationsformen. Der nach seinem Studium in L.A. heute wieder in Vietnam lebende Künstler arbeitet für diese Serie mit einem älteren Maler aus Ho Chi Minh Stadt zusammen, der, regierungskonform ausgebildet, dem Realismus verpflichtete Abbilder des sich transformierenden Vietnam schafft. Nguyen nimmt eine sich stetig verbreitende Jugendkultur auf und greift in die Ölbilder ein, indem er Graffitis einfügt. Zwischen sozialistischer und verwestlichender Konsumpropaganda verorten sich mit den Graffitis Namen und somit Individualitäten, die Anspruch auf ihren Platz im Lebensbild des heutigen Vietnam erheben. Neben einem Versprechen von Freiheit scheint in den Eingriffen Nguyens aber gerade in den englischen Signets des Graffiti ein Verlust von kultureller Identität auf: Konsum und Politik bedienen sich einträchtig der Landessprache, während sich die jugendliche Sprayerkultur auf Englisch verständigt. Zusammen mit den Ölbildern wird in der Thomas Rehbein Galerie das Video „Spray It Don’t Say It“ (2006) gezeigt, das sich in verschiedenen Interviews auf die Suche nach dieser illegalen, gruppenbildenden Artikulationsform macht.

 

João Onofre
Galerie Sprüth Magers

Die KölnShow2 präsentiert in der Galerie Sprüth Magers die Videoarbeit „Untitled (Vulture in the Studio)“ (2002) des portugiesischen Künstlers João Onofre (*1976, Lissabon). Zu sehen ist, wie ein Geier im schmalen Studio des Künstlers zwischen Tischen und Regalen hin- und herfliegt. Mit jedem Flügelschlag, bei jedem Start und bei jeder Landung räumt der Vogel einzelne Utensilien von den Tischen. Das Video endet, als der letzte Gegenstand am Boden liegt. Mit der Arbeit „Untitled (Vulture in the Studio)“ dekonstruiert João Onofre das Natur-Kultur-Dispositiv, das das Selbstbild der Zivilisation prägt. Alle Arbeiten des Künstlers greifen die Charakteristika der Videokunst der 1960er auf und werden von einem performativen Verlauf dominiert. João Onofre entwirft Versuchsanordnungen und performative Handlungsanweisungen für seine Protagonisten, deren Verlaufvon der Kamera aufgezeichnet wird und damit auch Länge und Umfang der Arbeiten bestimmt.

 

Hannah Rickards
Galerie Michael Janssen

Die in London lebende Künstlerin Hannah Rickards (*1979. London) reproduziert in ihren Arbeiten Soundlandschaften. In „Birdsong“ (2002) zum Beispiel imitierte sie Vogelstimmen und führte sie ins Ökosystem zurück. In der KölnShow2 präsentiert sie ihre Soundinstallation „Thunder“ (2005/06). „Thunder“ ist eine 8-minütige Komposition eines Donnerschlags, den Hannah Rickards in Zusammenarbeit mit dem Komponisten David Murphy arrangiert hat. Ihrer Komposition liegt die Aufnahme eines echten Donnerschlags zugrunde, der auf eine Länge von acht Minuten gedehnt und von einem Orchester nachgestellt wurde. Die orchestrale Improvisation wurde danach wieder auf die ursprüngliche Länge des Donnerschlags verkürzt. Das Ergebnis ist im Eingangsbereich der Galerie Michael Janssen zu hören.

 

Aïda Ruilova
Frehrking Wiesehöfer

Zentrales Thema in den filmischen Arbeiten der Amerikanerin Aïda Ruilova (*1974, Wheeling) ist die menschliche Kreatur als Bedeutungsträger alltäglicher Gewalt. Ihre Filme rezitieren den psychischen und physischen Schmerz und werfen den schmerzempfindenden Menschen auf die  Elementarebene des anonymen Seins zurück. Der Film „The Stun“ (2000), den Ruilova in der Galerie Frehrking Wiesehöfer präsentiert, zeigt eine Frau, die einem Mann den Mund aufreißt. Die Figuren bleiben statisch, die Atmosphäre ist düster, das Bild grobkörnig und der Bildrahmen zittert, was das Leiden ohne Sinn nur zu unterstreichen scheint. Waren bei Francis Bacon die verschiedenen Variationen des Schreis zu „Studie nach Velázquez: Papst Innozenz X“ noch eine Metapher des Schmerzes und Ausdruck eines Verlangens nach Erlösung, so wird man sich bei „The Stun“ seiner transzendentalen Obdachlosigkeit bewusst.

 

Margret Salmon
Galerie Gisela Capitain

Die amerikanische Fotografin und Filmemacherin Margaret Salmon (*1975, Suffern) wird in der Galerie Gisela Capitain ihre beiden Filme „Peggy“ (2003) und „P.S.“ (2002) präsentieren. Die in Kent lebende Künstlerin sieht ihre Filme in der Tradition des italienischen Neorealismus, des französischen Cinéma vérité und in den amerikanischen Propaganda-Dokumentationen der Farm Security Administration. Salmon arbeitet mit den traditionellen Filmformaten 16mm oder Super 8 und versucht, die porträtierten Personen für sich selbst sprechen zu lassen, frei von möglichen Interpretationen der Filmemacherin. In ihren Filmen verzichtet die diesjährige Preisträgerin des MaxMara Art Prize auf alle zusätzlichen Effekte, um den Betrachter noch näher an die Alltagsrealität ihrer Protagonistinnen und Protagonisten heranzuführen und jede mögliche ideologisierte Interpretation auszuschließen.

 

Fernanda Sánchez Castillo
Fibach & Minninger

Fernando Sánchez Castillo (*1970, Madrid) macht sich in seinen Videos und Skulpturen auf die Suche nach den Brüchen und dem Absurden im Verlauf der Geschichte. Ausgangsmaterial für seine behutsamen Analysen sind die Überbleibsel der Vergangenheit, wie sie sich in der Gegenwart
häufig in Form von Monumenten oder Statuen symbolisch erhalten haben. Das Video „Rich Cat Dies of Heart Attack in Chicago“ (2004), das der Spanier in der Galerie Fiebach & Minninger zeigt, entlehnt seinen Titel der Überschrift zu einem Zeitungsartikel, der 1968 in einer großen brasilianischen Tageszeitung erschien, als in Brasilien im Zuge eines schrittweisen Coup d’Etat die Pressefreiheit abgeschafft wurde. Der Artikel verhandelte nicht die unmittelbaren und relevanten Ereignisse, sondern das ultimativ Banale. Sánchez Castillo führt in seinen Bildern, die trotz der prinzipiell gewalttätigen Szenen durch Bildsprache und Musik ästhetisch überformt sind, die Kreisbewegung der Geschichte vor. In unfreiwillig komisch wirkenden Choreographien arbeiten sich im Verlauf des Films Gruppen von Menschen an dem abgetrennten Kopf einer Bronzestatue ab, der schließlich ramponiert auf einem Feld vergraben wird. Ein Bauer findet dieses bedeutungsvolle Relikt und gibt ihm als Eselstränke einen neuen, unreflektierten Platz im täglichen Leben und damit eine neue Funktion. In ihrem durchkomponierten Ablauf erinnern Sánchez Castillos Bilder an Nietzsches Unglauben an die große Revolution und einen progressiven Geschichtsverlauf.

 

Karen Sargsyan
Galerie Christian Nagel

Stille, Zeitlosigkeit und gebrochene Nostalgie prägen die Atmosphäre in den raumgreifenden Installationen aus Papier von Karen Sargsyan (*1973, Jerevan). In seinen gegenständlichen Environments ist der Rezipient aufgefordert, seinen Platz zu definieren, sobald ein Detail die kollektive Erinnerung abruft. Das statische Bild wird so zur Geschichte. Die Installationen funktionieren als offene Bühnen für Gedanken und speichern so Kollektives. Die Arbeiten thematisieren durchweg märchenhafte Szenarien, und zwar solche im Grenzbereich von Zivilisation und Natur: Gleichzeitig liegt die paradiesische Idylle fern, vielmehr spiegeln die Landschaften das zwiespältige Verhältnis des Menschen zu Kultur und Natur. Die Anwesenheit von Spuren halten die (Landschafts-)Impressionen in ambivalenter Spannung. Für die KölnShow2 hat der armenische Künstler Karen Sargsyan im Büro der Galerie Christian Nagel speziell für diesen Ort eine neue Arbeit entwickelt, die das dichotome Referenzsystem seiner bisherigen Arbeiten fortsetzt.

 

Andrew Schoultz
Linn Lühn

Die Zeichnungen, Wandbilder und Installationen des in San Francisco lebenden Andrew Schoultz (*1975) bevölkern symbolische Figuren, die uns an vergangene Zeiten und Kulturen erinnern. Gepanzerte Pferde sprengen mit Fahnen durchs Bild und mongolische Krieger beschwören Übermächte, seltsam zeitversetzt in einer Welt voll Schornsteinen zwischen einfachen Holzhütten, Strommasten und zerberstender Natur. Schoultz entwickelt seine Arbeiten aus den Problemen des modernen, konsumgeprägten Lebens heraus. Wenn er mit seinen Wandbildern den öffentlichen Raum oder den Kunstraum bearbeitet, will er Assoziations- und Denkprozesse anstoßen, die keineswegs eine Corporate Identity verlangen, sondern dem Betrachter ein offenes Feld bieten. Schoultz versucht, in dem Betrachter ein Bewusstsein zu wecken, dass auf einer individuellen Sensibilität für einen verantwortungsvollen Umgang mit dem natürlichen Leben beruht, um in unserer kulturgeprägten Gegenwart das Wissen um die Natur zu (re-)aktivieren. Einen solchen gedanklichen Freiraum schafft Schoultz für die KölnShow2 in einem Wandbild und in mehreren Zeichnungen in der Galerie Linn Lühn.

 

Kwang Ju-Son
Galerie Hammelehle und Ahrens

Der reiche und eitle Mr. Jae-Won hat ein Blind Date mit einer jungen Malerin in einem Café namens Brandenburg. Auf dem Weg dorthin stellt er sich die Frage nach seinem Lieblingskomponisten klassischer Musik. Die Autofahrt wird so zu einer Reise durch verschiedene Epochen, Stile und Zeiten. In „Punk Eek“ (2004) von Kwang-Ju Son (*1970, Korea) verwischen immer wieder Realität und der Blick darauf. Das Autoradio diskutiert mit Mr. Jae-Won über Chopin, Beethoven und Mozart und Straßenverkäufer prügeln sich bei der Frage, ob die Zukunft der klassischen Musik in Schönbergs Serialität oder Webers freier Tonalität zu finden sei. Der „reflexive Mechanismus“ (Niklas Luhmann) des Mannes stürzt ihn am Ende in eine tiefe Krise, nachdem er endlich eine Antwort für die Ausgangsfrage des Films gefunden hat, und zwar in dem Moment, als ihn die junge Frau im Café nach seinem Lieblingsmaler fragt.

 

Kostis Velonis
BQ

Als Bildhauer schafft Kostis Velonis (*1968, Athen) fragile Objektkonstellationen, in denen er das Gleichgewicht von Körpern prüft, Großes neben Kleines setzt und industriell gefertigte Produkte mit ungeformten Werkstoffen verbindet. In seinen Arbeiten setzt sich der griechische Künstler mit modernistischer Architektur und funktionalem Design auseinander und fügt ihnen imaginäre Handlungen hinzu, die häufig über den Titel der Arbeiten ins Spiel kommen. Velonis’ skulpturale Anordnungen setzen sich über Zeitachsen und Geografien hinweg, indem sie die flüchtige Erinnerung an die Ausgangsstoffe sowie die vielfältigen Erzählstränge, die sie entfalten, mit der Präsenz der Materialien vor Ort verbinden. Sie geben sich mal raumgreifend und auratisch und erforschen kollektives kulturelles Wissen, um im nächsten Moment anti-monumentalistisch zu erscheinen und Platz zu machen für individuelle Befindlichkeiten und die Gefühls- und Erfahrungswelt des Subjekts, für seine Stimmungen, Ängste und Träume. Die Objekttableaux, von denen Velonis einige in der Galerie BQ zeigt, erscheinen als situativ errichtete Stillleben, die dem Betrachter vielfältige Zugangsmöglichkeiten bieten.

 

Tris Vonna-Michell
Galerie Otto Schweins

Die Geschichte der menschlichen Zivilisation basiert in weiten Teilen auf mündlicher Überlieferung. Mit seinen Sprechperformances knüpft der britische Künstler Tris Vonna-Michell (*1982, Rochford, England) an diese Tradition an. In seinen Redeauftritten verschmelzen Elemente aus Stegreifkomik und dokumentarischer Berichterstattung mit den narrativen Strukturen von Theatermonolog und Straßensprache. Die Auftritte basieren auf einem vorgefassten Skript, das im Moment der Aufführung und durch die Interaktion mit dem Publikum modifiziert wird. Vonna-Michells Narrationen berühren historische Ereignisse und nutzen diese als Handlungsrahmen für biografische Erinnerungen und die Rekonstruktion von zurückliegenden Begebenheiten. Fotografien, Textmaterial, Filmsequenzen und Objekte aus dem alltäglichen Gebrauchszusammenhang unterstützen den Künstler in seinem Vortrag. Dabei bleibt jedoch offen, ob diese Materialien Requisiten in einer fiktiven Inszenierung sind oder sie eine vom Künstler durchlebte Situation bezeugen und dadurch in einem dokumentarischen Verhältnis zur Wirklichkeit stehen. In diesem Dazwischen, zwischen Fakt und Fiktion, verleihen der rasante Vortragsstil und Londoner Akzent des Künstlers der Erzählung Authentizität und Unmittelbarkeit. Im Kontext der KölnShow2 entwickelt der Künstler eine neue Arbeit, die das Konzept der dezentralen Ausstellung spiegelt.

 

Modelle für Morgen

V

2. März–28. April 2007, 22 Orte in der Kölner Innenstadt

Die Ausstellung ist in Abhängigkeit von den regulären Öffnungszeiten der Orte zu unterschiedlichen Zeiten zugänglich. Den Ausstellungsparcours finden Sie als Download hier.

An außergewöhnlichen kulturellen ebenso wie alltäglichen Orten in der Kölner Innenstadt stellen 21 KünstlerInnen ihre Entwürfe für eine neue Kunsthalle vor. Die speziell für die Ausstellung entstandenen Skizzen, Pläne und modellhaften Arbeiten der internationalen KünstlerInnen thematisieren sowohl die Architektur des neuen Ausstellungsortes als auch seine möglichen Nutzungskonzepte. „Modelle für Morgen: Köln“ stellt Projekte und Visionen für eine Kunsthalle im Kontext der Stadt vor und entwickelt Alternativen zur institutionellen Kunstpräsentation. Das Spektrum der Arbeiten reicht dabei von pragmatisch-handlungsorientierten Entwürfen bis hin zu abstrakten Denkmodellen.
Die European Kunsthalle verfügt in ihrer Gründungsphase über keinen eigenen Ausstellungsort. Für „Modelle von Morgen: Köln“ nutzt die Institution daher den städtischen Raum mit seinem Angebot an öffentlich zugänglichen Orten. Die ausgewählten Orte repräsentieren vielfältige Raummodelle mit unterschiedlichen Öffnungszeiten, kommerzieller oder öffentlicher Ausrichtung, hoher Bekanntheit oder Existenz am Rande. Sie zeigen, dass bereits in den vorhandenen Raumressourcen der Stadt Antworten auf die Fragen nach dem zukünftigen Profil der European Kunsthalle liegen könnten.

„Modelle für Morgen: Köln“ entwirft einen ringförmigen Parcours durch die Kölner Innenstadt. Das Projekt verlagert den Ausstellungsraum in den Stadtraum und begegnet den Menschen dort, wo öffentliches Leben stattfindet: in den Durchgangsräumen der Verkehrsbetriebe, in Gaststätten und Passagen, in Callshops, Tankstellen und im stark frequentierten Einzelhandel. Da die Betrachtung der Kunstwerke den Öffnungszeiten der jeweiligen Orte unterliegt, sind auch die Besucher eingeladen, sich auf deren zeitliche Organisationsprofile einzulassen und die Zugangsmöglichkeiten und Dynamik der Räume zu hinterfragen.

Kuratiert von Nicolaus Schafhausen, Vanessa Joan Müller und Julia Höner

Raumkonzept von Nikolaus Hirsch, Markus Miessen, Philipp Misselwitz, Matthias Görlich (Spaces of Production), Assistenz: Jan Sauerborn

Projektkoordination Julia Höner, Julia Moritz, Assistenz: Annette Hans, Martina Burgwinkel, Kristina Scepanski

 

 

Lawrence Weiner, __ +__ PUT WHERESOEVER, 2007

U-Bahn Station Dom/Hbf, Zugang vom Hbf, Mo-So 0:00-24:00 Uhr

Der amerikanische Künstler Lawrence Weiner (*1942) gehört zu den wichtigsten Vertretern der Konzeptkunst. Sprache und Text sind seine Ausdrucksformen, mit denen er Arbeiten schafft, die jenseits ihrer materiellen Manifestation existieren und die gedankliche Konzeption des Werkes als gleichwertig zu seiner Umsetzung im Objekt verstehen. In Weiners Entwurf für die Ausstellung „Modelle für Morgen: Köln“ stehen zwei weiße Rechtecke stellvertretend für ein beliebig großes räumliches Vakuum, das „wheresoever“, wo auch immer, platziert werden kann. Die räumlich ungebundene Kunsthalle existiert demnach an jedem Ort, an dem Kunst gezeigt wird: die Kunst definiert die Institution. Auch seinem künstlerischen Entwurf selbst attestiert Weiner die Flexibilität, die er der Halle verordnet. Über die konkrete Ausführung, die Materialien und Größe seiner Arbeit bestimmt nicht der Künstler, sondern die Ausstellungssituation, in die sein Vorschlag integriert wird.

 

Pia Rønicke, Model for Cinema, 2007

Hilton Cologne, Marzellenstrasse 13-17, Mo-So 0:00-24:00 Uhr

Pia Rønicke (*1974) hat im Fo-yer des Hotel Hilton Cologne ein Miniaturkino errichtet, in dem sie drei ihrer das utopische Potenzial moderner Architektur reflektierenden Filme zeigt. Wie verändern sich gesellschaftliche Visionen im Pro-zess ihrer Realisierung? Wie werden utopische Entwürfe gesellschaftlichen Realitäten angepasst? Gespräche von Architekten über eine als Industriegebiet geplante, jetzt in ein Wohnareal transformierte Zone und den urbanen Raum als „multikompatibles System in konstanter Veränderung“ („Zonen“, 2005) stehen neben einer aus dokumentarischem Fotomaterial montierten Narration über das Schindler Haus in Los Angeles, einer in den 1920ern und 1930ern berühmten alternativ-utopischen Wohnarchitektur („The Life of Schindler House“, 2002). Bestandteil des Programms ist weiterhin ein Animationsfilm über einen aus dem Geist selbstregulierender Systeme entstandenen modu-laren Wohnkomplex („Cell City–A System of Errors“, 2003). Gemeinsam ist allen Filmen die inhaltliche wie ästhetische Reflexion der Schönheit des Utopischen und ihres antagonistischen Verhältnisses zum realen Leben sowie das Spannungsverhältnis zwischen Vision und Entfremdung.

 

Vito Acconci / Acconci Studio, Interiors. Buildings. Parks. 2004 (Film by Julia Loktev)

Tele Café Köln – Am Dom, An den Dominikanern 3, Mo-So 9:00-23:00 Uhr

Vito Acconci (*1940) ist als Protagonist der Performance- und Videokunst der 1970er Jahre bekannt. Seitdem entwickelte sich sein Werk in Richtung audio-visueller Rauminstallation. Die Beschaffenheit des öffentlichen Raumes und die Situation von Kunstinstitutionen innerhalb ihres städtebaulichen Umfeldes ist aktuelles Thema seiner architektonischen Entwürfe. Im Rahmen von „Modelle für Morgen: Köln“ zeigt Acconci eine Auswahl computeranimierter Modelle von Plätzen, Innenraumgestaltungen und vor allem Bauwerken, die sowohl als attraktiver Solitär im urbanen Gefüge funktionieren als auch den Handlungsspielraum des individuellen Besuchers thematisieren. Die DVD ist an einem dafür reservierten Monitor des kommerziellen Callshops „Tele Café Köln–Am Dom“ zu sehen. Das Phänomen Internet- bzw. Telefon-Lokal stellt einen typisch nach-öffentlichen Hybrid zwischen privater Telekommunikation und dem kollektiven Konsum dieses Angebots dar. Hier trifft die virtuelle Arbeit Acconcis auf ein nach-öffentliches Publikum, das selbst zum Teil nur virtuell über den jeweiligen Kommunikationskanal in Köln anwesend ist.

 

Superflex

Deutsche Bank Privat- und Geschäftskunden AG, An den Dominikanern 11–27, Mo, Do 9–18 Uhr, Di, Mi 9–16 Uhr, Fr 9–15.30 Uhr

 

Luca Frei, Once again we have changed the means of communication But not their content, 2006/2007 

Industrie- und Handelskammer zu Köln, Unter Sachsenhausen 10-26, Mo-Fr 8:00-19:00 Uhr

Die installativen Arbeiten des Schweizer Künstlers Luca Frei (*1976) bewegen sich entlang der Grenze zwischen öffentlichen und privaten Ausdrucks- und Handlungsformen und generieren einen eigenen Möglichkeitsraum, der die strikte Trennung dieser beiden Sphären produktiv überschreitet. Sein hölzernes Modulsystem aus unterschiedlichen modernistisch-geometrischen Objekten, deren Funktion die einer Treppe, eines Bücherregals oder auch eines Sitzmöbels sein könnte, steht in dieser Linie offener Assoziationsangebote. Das unbestimmte Potenzial wird durch die lose Verteilung der Elemente in den halb-öffentlichen Durchgangsräumen des Servicezentrums der Industrie- und Handelskammer Kölns noch gesteigert: Teils prominent und zur Benutzung anregend, teils irritierend, scheinbar vergessen in peripheren Ecken und Enden der Korridore platziert, eignet sich Frei alltägliche Wege und Handlungen für sein interaktiv angelegtes System an, das den institutionellen Raum gleichermaßen nutzt und stört.

 

Sean Snyder, Untitled, 2007

Lesesaal im historischen Archiv des Erzbistums Köln, Gereonstraße 16, Di, Do, Fr 9:00-16:00 Uhr, Mi 9:00-13:00 Uhr

Der amerikanische Künstler Sean Snyder (*1972) untersucht in seinen Fotografien, Text- und Videoarbeiten die Rolle, die den Massenmedien bei der Konstruktion des urbanen Raums zukommt. Dabei richtet er seinen Blick auf die Mechanismen der medialen Repräsentation und deren ideologische Implikationen. Sein Beitrag zur Ausstellung „Modelle für Morgen: Köln“ ist ein Handapparat zur Typologie einer neuen Institution für Gegenwartskunst. Snyders lose Genealogie verschiedener Institutionsmodelle verdichtet sich zu einem konkreten Vorschlag für einen neuen Ausstellungsort und dessen Vermittlungsinstrumente. Der Entwurf ist von persönlicher Erfahrung genauso gespeist wie von archivarischem Bild- und Textmaterial über existierende Museumsorte. Auch die Bildcodes einer extremistischen Propagandamaschinerie werden in seine Recherche integriert und auf ihre Brauchbarkeit als Kommunikationswerkzeuge hin abgeklopft. Auf diese Weise gerinnt sein Vorschlag zu einer institutionellen Plattform, die Zeitachsen und ideologische Grenzen überschreitet und einen offenen Handlungsraum beschreibt. 

 

Haegue Yang, Series of Vulnerable Arrangements – Version Cologne, 2007

Statthaus, Steinfelder Gasse 33, Zugang Mo 16:30-18:30 Uhr, Do 14:00-16:00 Uhr (24h durch das Fenster sichtbar)

Für „Modelle für Morgen: Köln“ hat die koreanische Künstlerin Haegue Yang (*1971) eine Licht-

installation im Foyer eines Boardinghauses eingerichtet. Die Gruppe von abgedunkelten Leuchtkörpern oszilliert in einem Zwischenbereich, in dem sie weder pragmatische Raumbeleuchtung ist noch ganz auf sich selbst bezogen bleibt. Yangs Arbeit „Series of Vulnerable Arrangements – Version Cologne”, lenkt den Blick auf das Licht selbst und befördert seine ureigenste Bedeutung zu Tage: dass es Dinge sichtbar macht und zugleich als optisches Phänomen den Blick auf sich zieht, sozusagen anziehende Ausstrahlung hat. In dieser doppelten Bedeutung des Lichtphänomens, die subtil unter der Oberfläche des Sichbaren schwelt, findet die Künstlerin eine Analogie für die Verfasstheit von Gemeinschaften und den unsichtbaren Beziehungsgeflechten, in die Individuen eingebunden sind. Yang beantwortet den Auftrag, Eigenschaften einer neuen Kunsthalle zu definieren, mit einem offenen Assoziationsfeld, das um die sinnliche wie sichtbar machende Funktion von Licht kreist. 

 

Michael Beutler, Halle neben Beeten, 2007 

Platz vor der Vic Cocktailbar, Friesenstraße 16, Mo-So 0:00-24:00 Uhr

Michael Beutlers (*1976) Installationen beziehen sich auf vorgefundene, situative Kontexte. Diese können eine bestimmte Architektur, die Konstitution einer Gesellschaft oder einfach die Bedarfslage seiner Auftraggeber betreffen. Beutlers Raumentwurf einer neuen Kölner Kunsthalle ist an keinen konkreten Ort gebunden. Er betrifft eher eine universale städtebauliche Situation mit Mangel an unbebauter Fläche und dem Fehlen finanzieller Ressourcen zur Realisierung kultureller Bauprojekte. Beutlers Architekturensemble gibt sich kubisch-modernistisch und schiebt sich in eine Lücke zwischen zwei Gebäude. Die Kunsthalle wird als parasitäres Konstrukt gedacht, das vorhandene Architekturen pragmatisch und kosteneffizient gebraucht und als flexible Hülle für unterschiedliche Nutzungskonzepte funktioniert. Beutlers Beitrag verdeutlicht, dass in der konkreten Architektur nicht nur die Lösungen für Standort- und Finanzierungsfragen liegen, sondern über sie auch Rückschlüsse auf die Transformation des öffentlichen Raums möglich werden. 

 

Erik van Lieshout, Kunsthalle Hollywood, 2006

Sportlounge Michael Janson, Im Klapperhof 33c, Mo, Do 12:00-15:00 Uhr, Fr 16:00-18:00 Uhr, So 14:00-18:00 Uhr

Erik van Lieshout (*1968) tritt mit seinen Zeichnungen, Videos und Installationen dem Publikum provokativ entgegen. Von der eigenen Person und seinem Lebensumfeld ausgehend, entwirft er Handlungsräume, die nicht nur für die Erfahrung und Inszenierung seiner Bildfiguren untereinander bestimmend sind, sondern auch für die Wahrnehmung des Betrachters. Für die Ausstellung hat der Künstler kleinformatige Zeichnungen entworfen, die in der intimen Umgebung eines privaten Fitnessstudios gezeigt werden. Ihr Thema ist die Kunsthalle als gesellschaftlicher Raum – die „Kunsthalle Hollywood“. Van Lieshout fragt nach den Inszenierungen und Popularisierungen innerhalb des trad-tionellen Präsentationskontexts Kunsthalle. Mit ihrer Ästhetik aus Glamour, Kitsch und Trash ist die „Kunsthalle Hollywood“ ein Ort, an dem sowohl Verlangen befriedigt als auch Träume entworfen werden. Der Raum der Kunst erscheint bei van Lieshout als Raum einer inszenierten Gesellschaft schnelllebiger Identitäten.

 

Alex Morrison, Don’t let them see us, don’t show them what we are doing, 2007 

Buchandlung Walther König, Ehrenstraße 4, Mo-Fr 10:00-19:00 Uhr, Sa 10:00-18:00 Uhr

In seinen Arbeiten nimmt der kanadische Künstler Alex Morrison (*1972) soziale Gruppierungen in der Stadt als Ausgangspunkt für eine Auseinandersetzung mit öffentlichem Raum. Ihn interessiert, inwieweit in Zeiten der medialen Kommerzialisierung auch radikaler Subkulturen diese als authentisch wahrgenommen werden können. Seine Arbeit für die Ausstellung „Modelle für Morgen: Köln“ kündigt nächtliche Fahrradtouren durch Köln an. Vorbild der rein fiktiven Aktionen sind politisch motivierte Fahrrad-„mass rides“ in den USA. Doch Morrisons Touren sind weder politisch konnotiert noch als sozialkritische Protestaktion geplant, ja noch nicht einmal organisiert. Nur Treffpunkt und Uhrzeit sind vorgegeben. Sein Konzept impliziert die Möglichkeit der praktischen Ausführung und spielt auf das Potential eines Massenphänomens an, das aus der Bevölkerung entspringt und jenseits von durchorganisierten und institutionalisierten Mega-Events passiert. Der Passivität des Rezipienten in herkömmlichen institutionellen Kontexten setzt Morrison seinen Aufruf zu selbstbestimmtem Handeln entgegen. 

 

International Festival, Capitalism! BRNG IT ON, 2007 

Neumarkt-Galerie, Neumarkt 2, Mo–Do, Sa 7:00–21:00 Uhr, Fr 7:00–22:00 Uhr

Auftritte des GoldFlash Cheerleader e. V.  am 10.3. / 17.3. / 24.3. /  31.3. um 12:30 Uhr und 13:30 Uhr sowie 14.4. / 21.4. / 28.4. um 13.30 Uhr

International Festival (initiiert von Tor Lindstrand und Mårten Spångberg, 2004) ist eine offene transdisziplinäre Plattform für Projekte, die sich bestimmter performativer Methoden bedienen, um ihr Publikum in einen aktiven Prozess der Verhandlung institutioneller Kontexte zu verwickeln. Für die European Kunsthalle haben sie die Arbeit „Capitalism! BRNG IT ON“ entwickelt, die aus einem wöchentlichen Cheerleader-Auftritt im Eventbereich der Shoppingmall „Neumarkt-Galerie“, einem Baustellencontainer mit dem European Kunsthalle-Signet im öffentlichen Raum sowie einer kostenlosen Publikation aus dem überschüssigen Druckkontingent des Van Abbemuseum in Eindhoven besteht. Mit der Zusammenführung dieser unterschiedlichen Gruppen und Kommunikationsmedien fragen International Festival nach den nach-öffentlichen Akteuren und ihren Raum schaffenden Praktiken und bauen ihr „Modell für Morgen“ auf die temporäre und emanzipative Aneignung bestehender Strukturen auf.

 

JESKO FEZER & AXEL JOHN WIEDER, UNITITLED (DIV. PLANUNGSTHEORIEN), 2007

Zentralbibliothek Köln, Josef-Haubrich-Hof 1, Di, Do 10:00–20:00 Uhr, Mi, Fr 10:00–18:00 Uhr, Sa 10:00–15:00 Uhr

Jesko Fezer (*1970) und Axel John Wieder (*1971) beschäftigen sich in ihrem als Archiv in der Zentralbibliothek präsentierten Beitrag mit unterschiedlichen Planungstheorien. Wie beziehen sich Theorie und Praxis der räumlichen Stadtplanung und -entwicklung auf Wirklichkeit und wie interpretieren sie diese? Planungstheorien evozieren eine (urbane) Realität, in die sie räumlich intervenieren. Sachzwang und Entscheidungsspielraum, demokratische Legitimation und Projektorientierung spielen dabei ebenso eine Rolle wie die neuen Rahmenbedingungen der postfordistischen Gesellschaft zwischen Globalisierung und Fragmentierung. In den 1970er Jahren als eigene Disziplin etabliert, spiegelt die Planungstheorie die Entwicklung von den Visionen der Spätmoderne zu unserer von ökonomischen Überlegungen geprägten Gegenwart. Planen, Gestalten und Bauen erscheinen vor diesem Hintergrund deshalb auch als Instrumentarien einer Transformation gesellschaftlicher und ideologischer Perspektiven in faktische Architektur.

 

Bik van der Pol, Untitled, 2007

Aral Tankstelle, Cäcilienstraße 32, Mo-So 0:00-24:00 Uhr

Liesbeth Bik und Jos van der Pol arbeiten seit 1995 unter dem Namen Bik van der Pol zusammen. Ihre Arbeiten laden das Publikum ein, über Orte, ihre Architektur und Geschichte nachzudenken. Gleichzeitig erforschen sie das Potenzial von Kunst, Wissen zu produzieren und zu vermitteln sowie kommunikative Situationen zu schaffen. In einer Tankstelle gegenüber jener Stelle, an der die Josef-Haubrich-Kunst-halle stand, mit deren Abriss sich die European Kunsthalle formierte, haben Bik van der Pol einen Schriftzug angebracht. Auf Englisch steht dort geschrieben: „Eigentlich Absurde Ideen führen schließlich zum Erfolg“. Der Text aktiviert Gedanken zum konkreten Ort, seiner Vergangenheit und einer möglichen Zukunft. Er visualisiert, dass dort, wo eigentlich nichts vorhanden ist, Räume entstehen können, die mehr als kurzlebige Gedankengebäude sind. Mittels Licht in Szene gesetzt, macht die Arbeit zudem deutlich, dass jede Idee, und sei sie auch noch so zerbrechlich, mit Hilfe von Medialisierung und Vermittlung konkrete Gestalt annehmen kann.

 

Silke Schatz, Orakel, 2007

Jesuitenkirche Sankt Peter, Jabachstraße 1, Di-Sa 11:00-17:00 Uhr, So 13:00-17:00 Uhr

Die Suche nach einem idealen Museum der Zukunft führt die in Köln lebende Künstlerin Silke Schatz (*1967) zurück in die Geschichte. Ihre Collage aus Malerei, Zeichnung und Fotokopien ist ein antiker Stadtplan Kölns jenseits historischer Faktizität mit Ausgrabungen und zeitgenössischen Blüten, mit Rückblicken in die antiken Anfänge der Stadt und archäologischen Verfremdungseffekten. Die Spurensuche der Vergangenheit lenkt den Blick nach vorne, doch die Zukunft scheint ungewiss. In der Jesuitenkirche St. Peter, selbst ein sakraler Ort zeitge-nössischer Kunst, präsentiert, wirkt Silke Schatz’ „Orakel 2007“ wie eine Vorausschau auf die Zukunft aus dem Wissen um die Relikt gewordene Geschichte. Antike Rituale, Kulte und Feste bilden aber auch den Hintergrund einer die politische Ausdrucksform der Collage nutzenden Arbeit, die aus dem scheinbar apodiktischen „Zukunft? Nein Danke!“ ihr eigenes Potenzial der Verweigerung konventioneller Modelle zugunsten alternativer Ideen- und Handlungsmuster generiert.

 

Tobias Rehberger, Untitled, 2007

Galeria Kaufhof, Dinea Restaurant, Hohe Straße 41-53, Mo-Do 9:30-20:00 Uhr, Fr/Sa 9:30-21:00 Uhr

Tobias Rehberger (*1966) arbeitet häufig in funktionalen und kommunikativen Zusammenhängen, die er in eine ästhetische Dimension überführt. Für die Ausstellung hat er drei Pavillons mit unterschiedlichen Proportionen entworfen. Was seine bonbonfarbenen geometrischen Strukturen nicht verraten, ist ihr Anwendungsbereich. Rehbergers Beitrag ist eine Anspielung auf prestigeträchtige Museumsbauten namhafter Architekten, welche mehr über ihre Äußerlichkeit als durch ihr Programm von sich Reden machen. Die Titel der Entwürf  – „kleines –“, „großes – “ und „ganz großes kino“ – spiegeln die populistischen Phrasen der Werbewelt, die Museumsbauten zu gewinnbringenden Zielen der „Eventkultur“ machen. Der begleitende Text in Versform stellt seine Entwürfe in Bezug zur Situation der European Kunsthalle. Zustandsbeschreibungen, eine Auswahl von Gegensatzpaaren und verbale Stolpersteinen stellen Analogien zur Gründungsphase der Institution her, die derzeit verschiedene programmatische Ansätze und Architekturoptionen abwägt.

 

Andreas Fogarasi, Kultur und Freizeit, 2006

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Obenmarspforten, Di 10:00-20:00 Uhr, Mi-Fr 10:00-18:00 Uhr, Sa/So 11:00-18:00 Uhr

Andreas Fogarasi (*1977) beschäftigt sich in seinen Videos, Installationen und Objekten mit konkreten kulturellen Praktiken und institutionellen Repräsentationsformen. Im Foyer des Wallraf-Richartz-Museums wird er für die Dauer der Ausstellung die Videoinstallation „Kultur und Freizeit“ präsentieren. Es handelt sich um eine begehbare Black Box, ein kleines Kino, in dem Fogarasis Filme über Budapester Kulturzentren zu sehen sind. Die skulpturale Qualität des Kubus, seine praktische Funktion und sein narrativer Inhalt – drei wichtige Versatzstücke institutioneller Settings – erlauben eine Vielzahl rezeptiver Annäherungen an „Kultur und Freizeit“. Die Videoarbeiten selbst thematisieren das Spannungsfeld repräsentativer sozialistischer Architektur als kulturelles Erbe Ungarns und der gegenwärtigen Umnutzungen der Kulturklubs. Fogarasi ver-weist so auf die verschiedenen historischen und sozialen Schichten von Öffentlichkeit und ihre divergierenden Kulturbegriffe.

Kultur und Freizeit, 2006 (Videostills)
Courtesy Georg Kargl Fine Arts, Wien

 

Olaf Nicolai, St. Kolumba oder: Considering a multiplicity of appearances in light of a particular aspect of relevance, 2007

St. Kolumba, Kolumbastraße 2-4, Mo-So 8:00-19:30 Uhr

Ein Hauptthema im vielschichtigen Werk von Olaf Nicolai (*1962) ist die Interdependenz von raumschaffenden und symbolischen Gesten. Die Eigendynamik solcher Setzungen unterstreicht seine Arbeit „St. Kolumba“: die Präsentation eines existierenden Raumes im Ausstellungskontext, eine Art räumliches Ready-Made.Nicolai bezeichnet diese Situation als „room snatching“ und bezieht sich dabei auf den Science-Fiction-Roman „The Body Snatchers“ von Jack Finney, in dem die Körper der Einwohner einer amerikanischen Kleinstadt von einer fremden Spezies besetzt und für ihre Reproduktion benutzt werden. Das Thema wird von Nicolai auf die künstlerische Praxis des Ready-Mades bezogen; eine Praxis, die mit der Präsentation vorgefundener Objekte im Kunstkontext zwar äußerlich eindeutige Zeichen benutzt, zugleich jedoch die Bedingungen ihrer Umcodierung artikuliert und so die Möglichkeiten jener multiplen Transitivität suggeriert. Dies setzt sich in einem begleitenden Künstlerbuch fort, das zur freien Mitnahme während der Ausstellungsdauer im Kapellenraum ausliegt. Dessen Buchseiten zeigen lediglich verschiedene Farbverläufe, die durch die Technik des Irisdruckes entstehen, bei dem sich die Farben während des Druckvorganges in der Maschine zufällig mischen. Auf diese Weise thematisiert Nicolai das komplexe Beziehungsgeflecht aus Bedürfnissen, Interessenlagen und Verhaltensweisen jenseits des offensichtlich Artikulierten und eröffnet so für die European Kunsthalle einen sich von den Gegebenheiten des Realen emanzipierenden Möglichkeitsraum mentaler Szenarien.

 

Liam Gillick, Revision in the Snow, 2007

Stadt Köln, Kundenzentrum Innenstadt, Laurenzplatz 1-3, Mo-Fr 7:00-19:00 Uhr, 1. Samstag im Monat, 10:00-13:00 Uhr

Liam Gillicks Textarbeit versteht sich als Teil einer längeren potenziellen Narration, die eine post-utopische Gesellschaft beschreibt sowie die Zeichensysteme des Öffentlichen, derer sich diese bedient und die sie unbewusst manchmal auch subvertiert. Bereits in früheren Texten wie „Discussion Island: The Big Conference Room“ und „Literally No Place“ hat Gillick öffentliche Architektur, Design und Städtebau als Orte markiert, an denen sich Machtstrukturen und Funktionsmechanismen postindustrieller Gesellschaften artikulieren. Auch seine für „Modelle für Morgen: Köln“ konzipierte Beschreibung einer möglichen neuen Institution jenseits lokaler Spezifika entfaltet sich vor dem Hintergrund kollabierender, aus modernistischen Idealen entstandener Systeme und einer dennoch im pragmatischen Sinn weiterhin funktionierenden Gesellschaft. Der städtische Raum Kölns figuriert hier als kommentierende Kulisse, zu der sich Gillicks Analyse einer bestehende Handlungsmodelle unterlaufenden kulturellen Praxis subtil in Gegensatz bringt.

 

An Te Liu, Being Disposed, 2007

Ecke Unter Goldschmied / Kleine Budengasse sowie Am Hof, Mo-So 0:00-24:00 Uhr

Strom- und Verteilerkästen im Stadtraum bilden das Medium für An Te Lius textbasierte Eingriffe in deren funktionales Design. Seine Zitate prägnanter Begriffe aus der Philosophie Martin Heideggers thematisieren das Verhältnis von Funktion und Dysfunktion, das Konzept von „Zuhanden“ und „Vorhanden“, den Gebrauchswert von Dingen oder die Idee der dilozierten Lokation. In der Verdichtung theoretischer Wirklichkeitsanalysen auf prägnante Begriffe plädieren sie für eine der Evidenz alltäglicher Funktions- und Regulationssystemen vorgeschaltet Diskursebene, indem sie deren Bedingungen hinterfragen. Beiläufig auf technischen Apparaturen platziert, wirken die sperrigen, ihrem Kontext enthobenen Begriffe wie intellektuelle Störungen des öffentlichen Lebens, in das sie eingebettet sind. Bezogen auf ihren Ort und doch ihm fremd, insistieren sie auf ein Nachdenken über das, was als selbstverständlich gegeben erscheint.

 

Karl Holmqvist, One of Many, 2007

Deutsche Bank SB-Banking Center Köln Am Dom, Bahnhofsvorplatz 1/Trankgasse, Mo-So 6:30-23:00 Uhr

Appropriationen und minimale Interventionen, die sich der Wahrnehmung entziehen, sind kennzeichnend für Karl Holmqvists (*1964) Arbeiten. Häufig beschäftigt er sich mit der Funktion des menschlichen Gedächtnisses oder dem kollektiven Unterbewussten. Sein Beitrag zur Ausstellung „Modelle für Morgen: Köln“ ist „One of Many “ –eine Euromünze, die in einer Vitrine im 24h Cashpoint der Deutschen Bank platziert ist. Die Münze ist gleich in zweifacher Weise ein ortsspezifisches Werk: So akzentuiert sie den Kreislauf des Geldes, dem sie entnommen ist und den die Bank repräsentiert. Mit ihrer Miniaturprägung der europäischen Landkarte öffnet sie gleichzeitig einen gedanklichen Raum, der über den konkreten Ort hinausweist und den europäischen Horizont als möglichen Handlungsrahmen der European Kunsthalle visualisiert. Als „One of Many“ – eine unter vielen – steht sie auch stellvertretend für das Kapital, dessen Vermehrung die Grundlage aller zukünftigen Aktivitäten der European Kunsthalle ist. 

Under Construction

V

Im März 2006 präsentierte die European Kunsthalle mit „Under Construction“ eine Veranstaltungsreihe, die täglich an verschiedenen kulturellen Orten in Köln stattfand. Aktuelle Fragen zu Standortpolitik, Finanzierungsmodellen, aber auch Tendenzen in der zeitgenössischen Kunst und ihrer institutionellen Präsentation bildeten den thematischen Rahmen für die aufeinander abgestimmten, jedoch autonomen Programmpunkte. Einen wichtigen Baustein stellten Einzelvorträge internationaler Referenten und Referentinnen mit unterschiedlichen wissenschaftlichen und praktischen Perspektiven dar. Ergänzend dazu wurden kulturpolitische Aspekte der Gegenwart und die Entwicklung alternativer Konzepte auf Podien diskutiert, aber auch kleinere Talks boten hierfür den kommunikativen Rahmen. Ziel von „Under Construction“ war es, Vertreter unterschiedlicher Disziplinen zusammenzuführen und den Findungsprozess möglicher Parameter einer neuen europäischen Kunsthalle einer breiten Öffentlichkeit zugänglich zu machen.

 

1. März 2006, Schrumpfende Städte

Vortrag von Philipp Oswalt (Architekt / Urbanist, Berlin), Kunsthochschule für Medien

Während man in den internationalen Stadtdiskursen das Augenmerk ganz auf die wachsenden Megapolen und Agglomerationen richtet, bilden sich parallel weitgehend unbeachtet Zonen der Schrumpfung, in denen städtische ebenso wie ländliche Bereiche, ja ganze Landesteile von Bevölkerungsverlusten in Millionenhöhe und hoher Arbeitslosigkeit gekennzeichnet sind. Aufgrund der prognostizierten rückläufigen Bevölkerungsentwicklung in zahlreichen Ländern wie Russland, dem Baltikum, Ungarn, Deutschland und Italien wird sich diese Polarisierung in den nächsten Jahrzehnten verschärfen. Schrumpfstädte konterkarieren das seit der Industriellen Revolution gewohnte Bild der „boomtown“, einer von stetigem wirtschaftlichen und demographischen Wachstum geprägten Großstadt. Schrumpfstädte provozieren ein Umdenken sowohl im Hinblick auf traditionelle Vorstellungen der europäischen Stadt als auch auf die zukünftige Entwicklung urbaner Welten.
Philipp Oswalt ist Architekt und Publizist in Berlin und Leiter des Projektes Schrumpfende Städte der Kulturstiftung des Bundes 2002 – 2005.

 

2. März 2006, Kunst ohne Ort

Gespräch mit Florian Waldvogel (Manifesta 6, Nicosia) und Barbara Hess (Kritikerin, Köln), Kap Forum

Spätestens seit den mittleren 1960er Jahren, als Carl Andre von seiner „Skulptur als Ort“ („sculpture as place“) sprach, ist der „Ort“ der Kunst eine ihrer zentralen Bezugsgrößen. Wie stellt sich die vielschichtige Wechselbeziehung zwischen der Kunst und ihren – unterschiedlich zu definierenden – Orten unter den veränderten sozialen, ökonomischen und institutionellen Rahmenbedingungen der Gegenwart dar?

 

3. März 2006, Komplizenschaft? Zur Rolle von Kunst und Kultur in Stadtplanung und Marketing

Vortrag von Barbara Steiner (Direktorin Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig), Museum für Angewandte Kunst

Kunst und Kultur werden in Zusammenhang mit Stadtplanung und Marketing gerne als „aktivierendes Potenzial“ eingesetzt: Zum einen sollen sie als so genannte „weiche“ Standortkomponenten und als Imageproduzenten städtischen Raum als Konsum- und Erlebnisstandort attraktiv machen und Städten / Regionen Profil verschaffen, um im globalen Wettbewerb bestehen zu können. Zum andern werden kulturelle bzw. künstlerische Praktiken dazu eingesetzt, Anregungen zur Aneignung existierender Räume, Strukturen und Situationen zu bieten, kurz: „Selbstermächtigung“ zu befördern. In dem Vortrag soll nach der (durchaus ambivalenten) Rolle von Kunst und Kultur in Zusammenhang mit oben beschriebenen Prozessen gefragt werden: Diese kann durchaus affirmativ sein und in einer Komplizenschaft mit einer kapitalistischen Verwertungslogik aufgehen, wenn es um Aufwertungsstrategien, „Branding“ oder „Eventkultur“ geht. Gleichzeitig ist Kunst in der Lage, alternative Identifikationen zu fördern und (dissidente) Räume zu schaffen, in denen verschiedene Formen des Denkens und Handelns diskutiert, aber auch entwickelt, erprobt und verhandelt werden.

 

4. März 2006, Smuggling. A Curatorial Model

Vortrag von Irit Rogoff (Goldsmith College, London), Kunsthaus Lempertz

Irit Rogoff wird die Vorstellung von „Schmuggeln“ in Bezug zur kuratorischen Arbeit zum Tragen bringen. Für sie ist „Schmuggeln“ ein extrem wirksames Modell, mit dem wir die Anflüge des Wissens, des Materialien, der Sichtbarkeit und der Parteinahme nachspüren können, also all jener dynamischen Bewegungen, die für die Konzeptualisierung neuer Kulturpraktiken wesentlich sind. Sie wird in ihrem Artikel eruieren, ob ‚Schmuggeln’ als Modus operandi für Künstler, Kuratoren und Kritik dienen kann.
Irit Rogoff ist Inhaberin eines Lehrstuhls am Studiengang Visual Culture am Goldsmith College der London University und Direktorin des vom Arts and Humanities Research Founding unterstützen internationalen Studienprojektes „Cross Cultural Contemporary Arts“. Zahlreiche Veröffentlichungen zur Verbindung von kritischer Theorie und zeitgenössischer Kunst mit besonderem Fokus auf Themen wie Geografie, Verortung, Performativität und kulturelle Differenz.

 

5. März 2006, Lust am Abriss

Stadtführung mit Martin Stankowski (Stadterzähler, Köln),
Treffpunkt Cäcilienstraße, zwischen VHS und Museum Schnütgen

Man kann das Loch als Metapher für die Stadtplanung Kölns begreifen – aber an den falschen Objekten! Dabei könnte, sollte, müsste manches fort in dieser Stadt. Das Loch kann die Lust am Abriss wecken. Ansichten zu einer destruktiven Stadtplanung: Was kann weg in Köln? Worauf können wir verzichten? Wer hat das alles angerichtet? Antworten bei dieser Stadtführung an die Orte potenzieller Löcher. 

Martin Stankowski ist Rheinreisender und Stadterzähler sowie Autor von „Köln – Der andere Stadtführer“, KiWi, Köln 2003 und „Tod im Rheinland“ (zusammen mit Rainer Pause) KiWi, Köln 2004. 1996 erhielt er den Köln Literatur-Preis, 1999 den Kölsch Kultur-Preis.

 

6. März 2006, Vor der Wende / Nach der Wende: das Rheinland

Podiumsdiskussion mit Sven O. Ahrens (Galerist, Köln), Chantal Blatzheim (Kunsthistorikerin, Köln), Michael Krebber (Künstler, Frankfurt/Köln), Kathrin Luz (Neumann+Luz, Köln) und Astrid Wege (Kuratorin und Publizistin, Köln), moderiert von Nicolaus Schafhausen (European Kunsthalle), Kölnischer Kunstverein

Früher war alles besser. Jetzt blicken alle nach Berlin, die Galeristen gehen weg, die Künstler gehen weg, die jungen Leute sowieso. Ist das so? Hat die ehemalige Kunststadt Köln ihr Image verloren? Und, wenn ja, warum ist das so? Der Blick auf das Rheinland vor und nach dem Hauptstadt-Hype lotet die psychologische Seite der vermeintlich getrübten Stimmung aus, vergleicht kulturelle Profile und Standortfaktoren und wagt Prognosen, wie es in Zukunft um das Rheinland bestellt sein wird. Im Wettstreit der Metropolen hat Köln schließlich nach wie vor ein wichtiges Argument: die Gegenwartskunst.

 

7. März 2006, VERrückte Dinge. Über Ethnologie, Aneignung und Kunst

Vortrag von Karl-Heinz Kohl (Professor für historische Ethnologie, Johann Wolfgang Goethe Universität und Direktor des Frobenius-Instituts, Frankfurt am Main), anschließend Gespräch mit Klaus Schneider (Rautenstrauch-Joest Museum), Rautenstrauch-Joest Museum

Die in den letzten Jahren vor allem in Frankreich geführte Debatte über den Stellenwert der „Arts Premiers“ wirft die alte Frage wieder auf, ob es die ästhetischen Eigenschaften eines Gegenstands sind, dem er seinen Kunststatus verdankt, oder ob über diesen Status allein der Ort seiner Präsentation entscheidet. Die Ausstellung solcher Gegenstände in ethnologischen Museen bedeute eine Herabwürdigung genuiner Kunst, sagen die einen. Ihre Deklaration als Kunst stelle lediglich eine eurozentrische Vereinnahmung dar, sagen die anderen.
Karl-Heinz Kohl ist Professor für Historische Ethnologie an der Johann Wolfgang Goethe-Universität in Frankfurt am Main und leitet das dortige Frobenius-Institut.

 

8. März 2006, Powerless Structures

Präsentation und Gespräch mit Michael Elmgreen & Ingar Dragset (Berlin), moderiert von Vanessa Joan Müller (European Kunsthalle), Mensa der Kunsthochschule für Medien

Seit 1995 arbeiten Michael Elmgreen & Ingar Dragset an ihrer Serie der „Powerless Structures“ aus performativen, installativen und kontextbezogenen Werken. Diese fokussieren die Frage, wie sich institutionalisierte Räume re-kontextualisieren lassen, indem sie die Wahrnehmung des Raumes verändern und die als kontingent empfundenen Grenzen zwischen privatem und öffentlichem, Kunst- und Kommerzraum verschieben. Architektonische wie soziale Strukturen werden reorganisiert, um die ihnen unterliegenden Mechanismen von Ideologie und Kontrolle sichtbar zu machen. Die De- und Rekonstruktion von Bedeutungsstrukturen in vorgegebenen oder institutionellen Räumen steht bei diesen „Powerless Structures“ nicht als Setzung, sondern als Resonanz auf bestehende räumliche und gesellschaftliche Situationen. Die Projekte von Elmgreen & Dragset schlagen deshalb die Möglichkeit tatsächlicher Veränderung vor: eine Modifikation sozialer Strukturen oder Alternativen zur konventionellen Präsentation von Kunst im Museum oder in der Galerie.

 

9. März 2006, Kunststadt Köln – die Galerien

Rundgang mit Vanessa Joan Müller und Nicolaus Schafhausen (European Kunsthalle), Treffpunkt: Galerie Hammelehle und Ahrens

Der internationale Ruf Kölns als Kunststadt basiert in der Vergangenheit wie heute zu einem großen Teil auf den Aktivitäten der Kölner Galerien. Der kommerzielle „White Cube“ als Repräsentationsort zeitgenössischer Kunst ist ein wichtiges Element des Ausstellungswesens und konkurrenzfähig in Bezug auf traditionelle Institutionen und deren Programme. Galerien sind nicht mehr allein Distributionsorte von Kunst, sondern etablieren eigene soziale Systeme. Ein Rundgang durch ausgewählte Galerien erkundet die Situation vor Ort, lässt Galeristen zu Wort kommen und schaut, was es an Ausstellungen gibt in den kommerziellen Kunsträumen Kölns.

 

10. März 2006, Versuchsanordnungen: Künstler als strategische Akteure

Vortrag von Franz Liebl (Professor für Strategisches Marketing an der Universität der Künste Berlin), Universität zu Köln, Hauptgebäude

Provokation – Transgression – Crossover. Das sind einige Schlagworte, mit denen der Kulturvermittlungsbetrieb versucht, das Wesen von innovativen künstlerischen Positionen zu thematisieren. Der Beitrag von Franz Liebl versucht die Frage nach der Innovation durch die so genannten „creative disciplines“ aus einem anderen Blickwinkel zu klären. Was können Bereiche außerhalb der creative disciplines von den dort vorfindbaren Strategien lernen? Was heißt es überhaupt, Künstler, Designer etc. als strategische Akteure zu begreifen? Und welches sind die Versuchsanordnungen, mit denen sie operieren und ihre Strategien zur Umsetzung bringen? In dem Vortrag werden vor allem zwei (Gefechts-)Schauplätze untersucht, auf die sich solche Strategien und die damit verbundenen Interventionen schwerpunktmäßig richten: Erstens die Marke als symbolische Schnittstelle zwischen Unternehmen und Öffentlichkeit und zweitens die Aneignungsprozesse, in denen sich die Beziehungen zwischen Konsumenten und Produkten bzw. Dienstleistungen manifestieren.
Franz Liebl ist Professor für Strategisches Marketing an der Universität der Künste Berlin. Seine Forschungsschwerpunkte sind strategisches Management, Issue-Management, Business-Design, sowie Marketing unter Bedingungen gesellschaftlicher Individualisierung. Außerdem ist er Autor des Buches „Cultural Hacking: Kunst des Strategischen Handelns“, Springer, Wien / New York 2005.

 

11. März 2006, Macht und Ohnmacht des Privatsammlers

Gespräch Harald Falckenberg (Unternehmer und Sammler, Hamburg) mit Nicolaus Schafhausen (European Kunsthalle), Museum für Ostasiatische Kunst

Seit einiger Zeit schon treten private Sammler zeitgenössischer Kunst verstärkt in die Öffentlichkeit, werden von öffentlichen Museen umworben oder bauen direkt eigene Ausstellungsräume, um ihre Sammlung der Allgemeinheit zugänglich zu machen. Damit wurde auch eine kritische Diskussion über ihren Einfluss und ihre Macht gegenüber Künstlern, Galerien und Museen ausgelöst. Doch wie sieht die Wirklichkeit aus? Wer arbeitet wem zu? Ist die Verkettung und Vernetzung von Künstlern, Galerien und Ausstellungshäusern noch zu durchschauen? Harald Falckenberg spricht über die Auflösung traditioneller Vorgaben und zeigt aus der Sicht des Privatsammlers das vielschichtige Beziehungsnetz im Betriebssystem Kunst auf.
Harald Falckenberg ist Vorsitzender des Kunstvereins in Hamburg und Sammler zeitgenössischer Kunst. Seit 1979 ist er Geschäftsführer in einem Hamburger Familienunternehmen und wurde 1992 zum ehrenamtlichen Richter am Hamburger Verfassungsgericht.

 

12. März 2006, Making Public Buildings

Vortrag von David Adjaye (Architekt, London), Kölnischer Kunstverein

David Adjayes Gebäude reflektieren das kritische Verhältnis zwischen der Bildenden Kunst und den räumlichen Formaten, in den sie produziert und präsentiert wird. Die Konfigurationen dieses Verhältnisses reichen vom öffentlichen Museum (Denver Museum of Art) zu einer mäzenatischen Stiftung (Francesca von Habsburgs TBA-21), von der intimen Situation einer kollaborativen Produktion (wie dem Britischen Pavillon bei der Biennale Venedig mit Chris Ofili) bis zu temporären Strukturen für eine Kunstmesse (Frieze Art Fair), von privaten Galerien bis zu Ateliers (Jake Chapman, Chris Ofili, Tim Noble, Sue Webster). Mit seinen jüngsten Arbeiten wie den Idea Stores, dem Bernie Grant Centre und Stephen Lawrence Centre, versucht Adjaye die Reinterpretation von Parametern öffentlicher Kulturinstitutionen: kulturelle Barrieren, Labeling, Kontextualisierung, heterogene respektive spezifische Nutzergruppen und letztlich die ambivalente Frage nach dem öffentlichen Raum.

 

13. März 2006, Jenseits von Akademismus und Warenfetischismus

Vortrag von Roger M. Buergel (Künstlerischer Leiter der Documenta 12), Wallraf-Richartz-Museum

Einige zeitlos aktuelle Umgangsformen mit Kunst lohnen eine nähere Betrachtung. Da ist zum einen der Versuch, Kunst mit Wissen (oder mit Wissensproduktion) zu assoziieren. Da ist zum anderen eine Stilisierung des Materials, die jede Prada-Handtasche in die Tasche steckt. Beide Umgangsformen scheinen auf engste verwandt; beide machen aus Kunst etwas, das man sich zuführen kann, ohne sich darüber verändern zu müssen.
Roger M. Buergel ist künstlerischer Leiter der documenta 12 (2007). Zuvor kuratierte er z.B. „Gouvernementalität. Kunst in Auseinandersetzung mit der internationalen Hyperbourgeoisie und dem nationalen Kleinbürgertum“, Alte Kestner Gesellschaft Hannover, 2000 oder „The Subject and Power – the lyrical voice“, CHA Moskau, 2001 und ist als Autor tätig (Texte zur Kunst, springerin, u.a).

 

14. März 2006, Kulturpolitik: Europa

Podiumsdiskussion mit Adrienne Goehler (Hauptstadtkulturfonds, Berlin), Karin Heyl (Kulturkreis des BDI, Berlin), Maria Lind (IASPIS, Stockholm) und Ursula Zeller (Instituts für Auslandsbeziehungen, Stuttgart), moderiert von Vanessa Joan Müller (European Kunsthalle), Museum für Angewandte Kunst

Jenseits des emphatischen Bekenntnisses zur Kultur bleibt die europäische Dimension von Kulturpolitik oft vage. Als Förderinstrument indessen muss sie kompensatorisch für schrumpfende Etats einstehen, Imagebildung unterstützen oder als Außenpolitik mit anderen Mitteln fungieren. Gibt es also eine europäische Kulturpolitik? Oder wird Kultur trotz anders lautender Bekenntnisse zunehmend zu einem Instrument nationaler Selbstrepräsentation? Wenn Kulturpolitik in wesentlichen Teilen Identitätspolitik ist, gilt dies für die nationale wie die supranationale Ebene. Nimmt man Europa als Horizont der Kulturpolitik und ihrer institutionellen Ausformulierung ernst, sind Veränderungen in programmatischer wie kuratorischer Praxis deshalb ein Desiderat.

 

15. März 2006, Images Unite – Issues Divide

Vortrag von Werner Sewing (Architektursoziologe, Berlin), Universität zu Köln, Hauptgebäude

Es geht nicht um die neue Macht der Bilder, nicht um den „Iconic Turn“. Images sind mehr als Bilder, sie sind die Module für Weltbilder und Lebensentwürfe. Sie sind kein neues Phänomen der Mediengesellschaft. Images sind handlungsorientierte Leitbilder, verkappte Ideologien. In Ereignissen werden sie wirksam, als Skripte für Inszenierungen. Diese sozial konstruktive und integrative Wirkung, die eine eminent politische ist, vorwiegend eine konservative, soll untersucht werden. Kritische Bildwissenschaft ist ohne politische Theorie nicht zu haben.
Werner Sewing ist Dozent für Stadtsoziologie im Weiterbildenden Studiengang Real Estate Management der Technischen Universität Berlin und unterrichtete bisher u.a. an der Universität der Künste in Berlin und der University of California in Berkeley. Darüber hinaus ist er als freier Mitarbeiter in Architektur- und Planungsbüros, Autor und Kurator sowie als ständiger Mitarbeiter der Zeitschrift Archplus tätig. Aktuelle Publikationen von Werner Sewing sind „Architecture:Sculpture“. Prestel Verlag, München u.a. 2004, und „Bildregie. Architektur zwischen Retrodesign und Eventkultur“. Birkhäuser Verlag, Basel u.a. 2003 (Bauwelt Fundamente 126).

 

16. März 2006, km3/h

Vortrag Andreas Spiegl (Kurator und Kunsttheoretiker, Wien), Institut Français de Cologne, Vortragssaal

Zur Diskussion steht die Frage nach einer Verzeitlichung der Stadt, die ihre Räume nach zeitlichen Intensitäten strukturiert. Wie viel Urbanität passt in eine Stunde?
Andreas Spiegl studierte Kunstgeschichte an der Universität Wien und unterrichtet Medientheorie an der Akademie der bildenden Künste Wien, der er zugleich als Vizerektor für Forschung und Lehre vorsteht. 1999 gründete er gemeinsam mit Christian Teckert das „Büro für kognitiven Urbanismus“, das die Stadt aus medien-, subjekt- und raumtheoretischen Perspektiven analysiert („Büro für kognitiven Urbanismus: Prospekt“, Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln / Wien 2003).

 

17. März 2006, Schreiben über Kultur. Die deutschen Feuilletons

Diskussion mit Jörg Heiser (Frieze, Süddeutsche Zeitung), Sebastian Preuss (Berliner Zeitung), Ingo Niermann (Schriftsteller und Journalist) und Thomas Wagner (FAZ), moderiert von Nicolaus Schafhausen (European Kunsthalle), Kölnischer Kunstverein, Vortragsaal

Die Kunstkritik der Moderne verstand sich als Aufklärung, Baudelaire forderte sogar eine parteiische, leidenschaftliche und politische Kritik. In Zeiten der allgemeinen Kulturalisierung der Lebenswelt ist Kritik als Erkenntnismittel hingegen eine schwindende Spezies. Der strukturelle Wandel der journalistischen Tätigkeit allgemein, die Interdependenzen von Kulturbetrieb und Medien und die Evaluation kultureller Ereignisse anhand ihrer medialen Resonanz haben das Verhältnis von Kultur und deren publizierter Kritik nachhaltig verändert. Die Ökonomisierung des Kulturbetriebs bedeutet jedoch nicht zwangsläufig die Affirmation seiner Produkte. Das engagierte Schreiben über Kultur könnte der Tendenz zur Kulturalisierung vielmehr eine Form von Widerstand entgegensetzen, die auch dem institutionellen Kulturbetrieb neue Freiräume öffnet.

 

18. März 2006, Kunststadt Düsseldorf – eine Ortsbesichtigung

Rundgang mit Vanessa Joan Müller (European Kunsthalle), Treffpunkt: Kunsthalle Düsseldorf

Städtische Imagepolitik ist ein wichtiger Faktor im Wettstreit der Metropolen. Die Stadt Düsseldorf hat sich öffentlichkeitswirksam den Titel „Kunststadt“ verliehen und startet mit der „Quadriennale06“ ein ambitioniertes Projekt, dieses Label imagefördernd nach außen zu tragen. Mit Ausstellungen in allen großen Düsseldorfer Museen soll die Stadt ein Jahr lang in den Fokus der internationalen Kunstwelt rücken. Als städtisches Gesamtbild inszeniert, werden die verschiedenen Kulturinstitutionen dabei zu Bausteinen einer Kampagne, die ein homogenes Bild der Stadt als exponierter Ort bildender Kunst propagiert. Wir schauen uns ausgewählte Ausstellungen in Düsseldorfer Institutionen an und sprechen über das „Branding“ ihrer Stadt.

 

18. März, Art Is Not For Ordinary People

Präsentation von Belinda Hak (Kunstpädagogin, Rotterdam), Büro der European Kunsthalle

Die Kunstvermittlung findet jenseits einer bestimmten Alters- oder Zielgruppe statt; die Vermittlung adressiert alle, die noch keine ausgewiesenen Experten in Sachen moderner Kunst sind. Wissenslücken, Wahrnehmungsbedürfnisse und Erfahrungslust haben nichts mit Alter und Hintergrund zu tun Teenager, Studenten, Erwachsene, und Migranten sind keine homogenen Gruppen. Anstatt Zielgruppen zu definieren, müssen Begriffe erfunden und eingeführt werden, die sich mit dem Zweck der Erziehungsmethoden, Veranstaltungen, Programme und Mittel beschäftigen. Durch Kunstvermittlung können Kunstinstitutionen Menschen auf eine lebendige Weise zur Teilnahme aufmuntern, anstatt nur einen so genannten „Aufklärungsauftrag“ zu verfolgen.
Belinda Hak ist seit 2001 Leiterin für Kunstvermittlung im Witte de With Zentrum für Gegenwartskunst in Rotterdam. Als Kunstvermittlerin veranstaltet sie auch Workshops für die Vermittlungsabteilungen von Kunstmuseen und arbeitet als Coach für (junge) Profis im Bereich Kunsterziehung.

 

19. März 2006, Ausstellungskünstler vs. Marktkünstler

Diskussion mit Monica Bonvicini (Berlin), Olaf Nicolai (Berlin) und Franz Ackermann (Berlin), moderiert von Nicolaus Schafhausen (European Kunsthalle), Café Central

Viele jener momentan auf dem Kunstmarkt sehr erfolgreichen Künstler tauchen im institutionellen Ausstellungsbetrieb kaum auf. Umgekehrt gibt es immer mehr Künstler, die ortsspezifisch arbeiten oder deren Werke sich den Anforderungen des Kunstmarktes verweigern. Driften Kunstmarkt und Kunst ausstellende Institutionen seit einiger Zeit auseinander? Und ist erfolgreich, wer viel verkauft oder wer viel ausgestellt wird? Was macht den Erfolg der jungen Shooting Stars aus? Und wie verhält sich der institutionelle Kunstbetrieb zu diesem Phänomen?

 

20. März 2006, Privates Geld / Öffentliches Geld

Diskussion mit Eugen Blume (Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin), Markus Heinzelmann (Siemens Arts Program, München), Thomas Michelon (Französische Botschaft, Den Haag), Silke Schuster-Müller (Leiterin Kultur und Wissenschaftsförderung, DekaBank) und Bernhart Schwenk (Pinakothek der Moderne, München), moderiert von Nicolaus Schafhausen (European Kunsthalle), Kap Forum

Mit ihrem Sponsoring unterstreichen Unternehmen den Stellenwert, den sie Kunst und Kultur in unserer Gesellschaft zurechnen. Kunstförderung ist Teil der Kommunikation und stärkt das unternehmerische Profil. Entlang der Schnittstelle von Kultur, Wirtschaft, Wissenschaft und Gesellschaft entwickeln die großen Unternehmen deshalb eigene Kunstförderungsprogramme, die in Zeiten knapper werdender öffentlichen Subventionen für den Ausstellungsbetrieb substanziell geworden sind. Wie sehen Kooperationsmodelle zwischen Wirtschaft und Kultur aus? Was erwarten Sponsoren von ihrem Engagement? Lässt sich die institutionelle und programmatische Autonomie aufrecht erhalten, wenn die öffentliche Hand sich sukzessive zurückzieht? Oder liegt die Zukunft der Institutionen vielleicht gar nicht mehr im öffentlichem, sondern im korporativen Geld?

 

21. März 2006, Modell Kunsthalle

Podiumsdiskussion mit Ulrike Groos (Kunsthalle Düsseldorf), Max Hollein, (Schirn Kunsthalle, Liebighaus und Städelmuseum, Frankfurt am Main), Dirk Luckow (Kunsthalle zu Kiel) und Gerald Matt (Kunsthalle Wien), moderiert von Vanessa Joan Müller (European Kunsthalle), Rautenstrauch-Joest Museum, Vortragssaal

Eine Kunsthalle ist eine Institution bildender Kunst, die im Gegensatz zum Museum meist keine eigene Sammlung besitzt und im Gegensatz zu Kunstvereinen nicht auf Mitgliedschaft basiert. Über diese Definition hinaus besitzen die zahlreichen deutschen Kunsthallen jedoch sehr unterschiedliche Profile, die auch auf ihrer Finanzierung, ihrer Verortung in der kulturellen Textur der Stadt, ihrem Verhältnis zu anderen Institutionen bildender Kunst und dem kommunikativen Transfer zwischen Kunst und Publikum gründen. Was also macht den Erfolg des institutionellen Modells Kunsthalle aus? Ulrike Groos, Max Hollein, Dirk Luckow und Gerald Matt diskutieren Veränderungen des institutionellen Profils sowie Chancen und Herausforderungen heutiger Kunsthallen in Deutschland und Österreich.

 

22. März 2006, Europa / Euregio

Diskussion mit Charles Esche (Van Abbe Museum, Eindhoven), Bart de Baere (Museum voor Hedendaagse Kunst, Antwerpen), moderiert von Vanessa Joan Müller (European Kunsthalle), Crowne Plaza Cologne, „Der Club“

Nach dem Wegfall der Binnengrenzen im Jahr 1992 innerhalb der damaligen europäischen Gemeinschaft haben sich Staaten übergreifende Regionen herausgebildet. Die Stadt Köln prägt traditionell der Bezug zu den Beneluxländern. Welches kulturelle Potenzial jedoch liegt in dieser Nähe? Und was bedeutet über die regionale Nähe hinaus Europa als Staatengebilde in Bezug auf die Ausrichtung einer Kunstinstitution und ihres Programms? Internationalität auf der einen, die Anbindung an das Lokale und seine Spezifika auf der anderen Seite scheinen die Herausforderungen der Museen und Kunstinstitutionen unserer Zeit.

 

23. März 2006, Spaces of Production

Präsentation und Diskussion des Forschungsprojekts der European Kunsthalle mit Shumon Basar (London), Ole Bouman (Amsterdam), und Matthias Görlich, Nikolaus Hirsch, Phil Misselwitz, Markus Miessen (Spaces of Production, European Kunsthalle), Museum für Angewandte Kunst, Vortragssaal

Das in der Gründungsphase der European Kunsthalle integrierte Projekt „Spaces of Production“ untersucht die räumlichen Bedingungen und Potenziale in Köln und anderen städtischen Situationen in Europa. Die Recherche zeigt, wie sich viele zeitgenössische Institutionen in Europa traditionellen Kategorisierungen von Kulturinstitutionen bewusst entziehen bzw. diese gezielt weiter entwickeln, unterlaufen, neu besetzten oder neu kombinieren. Architektur und Urbanismus nehmen hierbei zwangsläufig eine kritische, aber zunehmend widersprüchliche Rolle ein: Einerseits werden Orte der Kunst zu strategischen Instrumenten von Stadtplanung und -Marketing, die ganze Regionen und Städte reaktivieren sollen („Bilbao-Effekt“) und delegieren eine dominante, ja autoritäre Rolle an die Architektur. Dagegen positionieren sich temporäre, in der Tradition des Situationismus stehende Strategien, die sich bestehende Territorien und räumliche Leerstellen in der Stadt aneignen, dabei jedoch Gefahr laufen, einer Festivalisierung unter den Prämissen der neoliberalen Deregulierung in die Falle zu gehen. Dieses Dilemma zwischen Stabilität und Instabilität ist Ausgangspunkt für eine Debatte über gegenwärtige räumliche Transformationstendenzen europäischer Kulturinstitutionen, sowie mögliche räumliche Modelle für die European Kunsthalle Köln.

 

24. März 2006, Imaginary Economics

Vortrag von Olav Velthuis (Amsterdam), kjubh Kunstverein

Die Zeiten, in denen Kunst und Wirtschaft einander ausschlossen, scheinen längst vorbei. Noch immer steigt die Zahl jener zeitgenössischen Künstler, die Faktoren wie Geld, Markt oder Konsum sowie die Produktion und Destruktion ökonomischer Werte untersuchen. Wie könnte man aus dieser neuen Form der Volkswirtschaft Sinn entstehen lassen?
Olav Velthuis ist Redakteur der holländischen Tageszeitung „de Volkskrant“. Er ist Autor von „Imaginary Economics“ (NAi Publishers, 2005) und „Talking Prices. Symbolic Meanings of Prices on the Market for Contemporary Art“ (Princeton University Press, 2005). Velthuis hat Wirtschaftswissenschaften und Kunstgeschichte an der Universität Amsterdam studiert und in Wirtschaftssoziologie an der Erasmus Universität Rotterdam und der Princeton University promoviert. Vor seiner journalistischen Tätigkeit war er Assistenzprofessor an der Universität Konstanz und Post-Doctorial Fellow am Institute for Social and Economic Research and Policy (ISERP) der Columbia University, New York.

 

26. März 2006, Factories in the Snow: Collapses within Post-Consensus Culture

Präsentation von Liam Gillick (London / New York), Café Central

Ein kritischer Kommentar zum Potential radikaler Diskurse in einem homogenisierten Überbau. Der neue Kampf zwischen historischem Determinismus und kollektiven Handlungsmöglichkeiten.
Liam Gillick besuchte das Goldsmiths College in London von 1984 bis 1987. Seit 1997 unterrichtet an der  Columbia University in New York. Beispiele seiner zahlreichen Einzelausstellungen sind: Literally, The Museum of Modern Art, New York 2003; communes, bar and greenrooms, The Powerplant Contemporary Art Gallery, Toronto 2003, Exterior Days, Casey Kaplan, New York 2003; A short text on the possibility of creating an economy of equivalence, Palais de Tokyo, Paris 2005. Außerdem nahm er an der 50. Biennale von Venedig, 2003 sowie der documenta X, 1997 teil. Parallel zu seinen künstlerischen Arbeiten veröffentlichte Liam Gillick seit 1995 verschiedene Bücher, wie zuletzt Underground (Fragments of Future Histories), (Les maitres des formes, Brussels und les presses du reel, Dijon 2004) und schreibt für diverse Kunstmagazine wie Parkett, Frieze, Art Monthly und Metropolis M.

 

27. März 2006, Die Krise des Publikums

Gespräch mit Elisabeth Schweeger (Intendantin schauspielfrankfurt) und Heiner Goebbels (Komponist, Professor am Institut für Angewandte Theaterstudien, Giessen/Frankfurt am Main), moderiert von Nikolaus Hirsch (Spaces of Production, European Kunsthalle), Kunsthaus Lempertz

Das Theater ist aufs Engste mit der Entstehung einer bürgerlichen städtischen Öffentlichkeit verknüpft. Noch deutlicher als in der Typologien der bildenden Kunst ist das städtische Theater als künstlerische Form und als konkreter urbaner Ort an die Repräsentationsmodelle eines bürgerlichen Publikums gebunden gewesen. Die heute vielfach beklagte Krise des Theaters ist daher auch die Krise eines Publikums, das sich im Zuge der sozialen und ökonomischen Deregulierung des vergangenen Jahrzehnts verändert hat. Zur Debatte steht die Frage, wie das Theater und andere Kunstinstitutionen auf ein zunehmend heterogenes und ausdifferenziertes Publikum reagieren.  Das „feste Haus“ und die Stabilität seiner Strukturen rückt dabei fast zwangsläufig ins Zentrum der Diskussion: Ist das „feste Haus“ ein Modell, das in Zeiten der ökonomischen und sozialen Deregulierung einen geschützten Raum bietet und damit ein notwendiges Gegenmodell darstellt? Oder muss das zukünftige Theater seine starren Strukturen auflösen und die Entwicklung flexibler Modelle vorantreiben, die letztlich auch den veränderten künstlerischen Strategien und Produktionen entsprechen?

 

28. März 2006, Curatorial Criticality

Vortrag von Beatrice von Bismarck (Professorin für Kunstgeschichte, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig), Kölnischer Kunstverein, Vortragsaal

Der Vortrag fragt nach den Handlungs- und Wirkungsmöglichkeiten einer kuratorischen Praxis, die sich, angesichts des derzeitigen „Kuratoren-Hypes“ und Starkults, nicht ausschließlich als Begleiterscheinung des immens gewachsenen Ausstellungsbetriebs im Umfeld heutiger Event-Kultur verstehen will.
Beatrice von Bismarck ist seit 1999 Professorin für Kunstgeschichte und Bildwissenschaft an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Davor war sie als Mitbegründerin und -leiterin des Kunstraum der Universität Lüneburg und des /D/O/C/K-Projektbereich der HGB tätig. Ihre aktuellsten Publikationen sind: „Grenzbespielungen. Visuelle Politik in der Übergangszone“, Köln 2005; „Globalisierung/Hierarchisierung. Kulturelle Dominanzen in Kunst und Kunstgeschichte“, hg. mit Irene Below, Marburg 2005 und „beyond education. Kunst, Ausbildung, Arbeit und Ökonomie“, hg. mit Alexander Koch, Frankfurt am Main 2005.

 

29. März 2006, Cultural Economies and Retrenchment

Vortrag von Anthony Davies (London), Kunsthochschule für Medien, Aula

In der Folge der Traumata, die das neue Jahrhundert einläuteten (das Platzen der dot.com-Blase, 9/11, der „War on Terror“, der Zusammenbruch von Enron und Worldcom), lässt sich eine Abkehr von den Interdependenzen beobachten, welche die New Economy der späten neunziger Jahre kennzeichnete. Angesichts der wieder erstarkten Zuversicht der Wirtschaft – zum Teil beflügelt vom rasanten wirtschaftlichen Wachstum in China und Indien – untersucht diese Präsentation einige der Grundtendenzen der Zeit von 2001 bis 2005. Sie wird sich insbesondere mit den vielen  Prozessen beschäftigen, in denen Kürzungen und Rückzug des Staates Grundannahmen einer vernetzten Gesellschaft unterminierten und ins Gegenteil verkehrten – eine introspektive, abgeschottete und reaktionäre Kultur. Im Falle Großbritanniens lässt sich dies an den vielen Entwicklungen aufzeigen, bei denen Privatisierungsmaßnahmen im kulturellen Sektor (etwa dem Fusionsrausch der Kooperationen und „Partnerships“) den Debatten um Kernkompetenzen und Vermarktungsstrategien Tür und Tor öffneten; angetrieben von einem allgemeinen Kaufrausch auf der Konsumentenseite, ist das Wiedererstarken des Kunstmarktes auch an Phänomenen wie den „Kursen für Kritiker“ und einer allgemeinen „Rückkehr zum Grundsätzlichen“ zu erkennen.
Der Autor Anthony Davies lebt in London. Er veröffentlichte Artikel über Kunst und Ökonomie in verschiedenen Zeitschriften, darunter Texte zur Kunst, Metropolis M, Art Monthly und Mute.

 

30. März 2006, Public Spheres

Diskussion mit Gerald Raunig (Philosoph und Kunsttheoretiker, Wien) und Simon Sheikh (Kunstkritiker und Kurator, Berlin/Kopenhagen), moderiert von Bettina Steinbrügge (Halle für Kunst, Lüneburg), Museum für Ostasiatische Kunst, Vortragssaal

Nach einem Begriffsboom in den 1980er und 1990er Jahren scheint das Konzept der Öffentlichkeit in diskursiven und politischen Zusammenhängen einerseits zunehmend kritisch beleuchtet zu werden, andererseits als Referenzpunkt emanzipatorischer Praxen aus der Mode geraten. Im Kunstfeld hat sich zugleich ein zunehmender Trend der Adressierung von Teilöffentlichkeiten / communities verbreitet, in der das einst emanzipatorisch verstandene Konzept der „Kultur für alle“ in einen neoliberalen Kontext von Kundenorientierung und Publikumsfetischismus überzugehen droht. Das Terrain der „öffentlichen“ Sphäre ist als gleichermaßen lokalisierbares wie imaginäres auszumessen. Die wohl geordnete bürgerliche Öffentlichkeit ist ebenso sehr wie andere Formationen ein Fragment, und die Frage ist in der Tat, ob sie jemals überhaupt als irgendetwas anderes denn als Projektion, als Ideal existiert hat. Der Begriff des Öffentlichen kann sich beziehen auf den Staat, auf allgemeine Zugänglichkeit, auf Belange, die von allgemeinem Interesse sind und auf Fragen des gemeinsamen Guten. Die Bedeutungen von öffentlich und privat sind somit stark kontextabhängig und ambivalente Einstellungen zu diesen Begriffen mehr als wahrscheinlich. Das Interesse an der Aufrechterhaltung der bürgerlichen öffentlichen Sphäre und ihrer Institutionen wie dem Museum und dem Ausstellungsraum geht derzeit deutlich zurück, und zwar von links wie von rechts. Demnach sind die gewandelten und sich wandelnden Möglichkeiten zu diskutieren, die der Kunstproduktion als Werkzeugkasten der Kommunikation und Repräsentationspolitik im Bereich des Öffentlichen zukommen. Es muss heute um die Rekonfiguration des Begriffs von Öffentlichkeit gehen, um die Erschließung von neuen Konzeptionen „der Öffentlichkeit“ als relational, artikulatorisch und kommunikativ.

 

31. März 2006, Kulturpolitik der Institutionen

Vortrag von Franciska Zólyom (Institute for Contemporary Art, Dunaújváros), kjubh Kunstverein

Welche Rolle spielen Institutionen der zeitgenössischen Kunst in der kritischen Auseinandersetzung mit öffentlichen und privaten Förderungsrichtlinien? Neben der viel besprochenen Frage der Kunstvermittlung soll die mögliche Rolle von Kunstinstitutionen als Katalysatoren der kulturellen und sozialen Partizipation – im Sinne der kulturellen Demokratie (cultural democracy) – benannt werden. Kunstinstitutionen werden vor dem Hintergrund zweier Fragestellungen untersucht: Erstens, wie gegenwärtige Kulturadministrationen funktionieren und durch welche öffentlichen und privaten Interessen Kultur reguliert wird beziehungsweise wie über Kulturinstitutionen verfügt wird. Auf der anderen Seite gilt es zu fragen, in welcher Weise zeitgenössische Konzepte von Mitbestimmung (wie beispielsweise Foucaults Konzept der „gouvernementalité“) durch Kultur ausgeformt werden. Können Kunstinstitutionen im skizzierten Rahmen eine klärende oder gar produktive Leistung erbringen? Lassen sich daraus neue institutionelle Modelle und Handlungsstrategien ableiten?
Seit 2005 ist Franciska Zólyom Direktorin des Institute of Contemporary Art in Dunaújváros / Ungarn. Davor war sie bis 2004 Mitarbeiterin im Hamburger Bahnhhof – Museum für Gegenwart, Berlin und von 1997 bis 1999 Kuratorin am Museum Ludwig – Museum für zeitgenössische Kunst in Budapest.

European Kunsthalle 2006 2007

V

Auf der Art Cologne 2006 präsentierte die European Kunsthalle ein Programm mit Filmen und Videoarbeiten von Bernd Behr, Monica Bonvicini, Jonas Dahlberg, Jonathan Faiers, David Lamelas, Florian Slotawa und Mark Wallinger. Die Filme, die sich mit institutionellem Raum, seiner Beschaffenheit, seiner Nutzung und seinen Bedingungen für Öffentlichkeit beschäftigen, wurden nacheinander als großformatige Videoprojektion gezeigt.

Bernd Behr, Hotel Palindrome (before R. Smithson), 2006
Monica Bonvicini, Hammering Out (an old argument), 1998
Jonas Dahlberg, Promenade, 2006
David Lamelas, A Study of the Relationships Between Inner and Outer Space, 1969
Florian Slotawa, Museums-Sprints, 2000/2001
Mark Wallinger, Sleeper, 2004

Zusammengestellt von Julia Höhner, Julia Moritz und Vanessa Joan Müller

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Spaces of Production

Nikolaus Hirsch, Philipp Misselwitz, Markus Miessen, Matthias Görlich
 
„Spaces of Production“ ist eine Studie zur architektonischen Konzeptualisierung und praktischen Anwendung einer räumlichen Strategie für die European Kunsthalle. Sie ist nicht das Ergebnis rein theoretisch-konzeptueller Überlegungen, sondern das Resultat einer in die Aktivitäten der zweijährigen Gründungsphase der European Kunsthalle von 2005 bis 2007 eingebundenen Arbeitspraxis. Die räumliche Strategie für die European Kunsthalle ist somit das Ergebnis einer „angewandten Forschung“ – eines iterativen, durch Rückkopplungen zwischen Theorie und Praxis geprägten Ansatzes.

Die physisch-räumliche Konfiguration der European Kunsthalle – einer Institution bislang ohne öffentliche Fassade und eigenen Ausstellungsraum – ist sowohl Einschränkung als auch Chance. Im Vergleich mit zeitgenössischen institutionellen Praktiken in Europa erweist sich die Kombination von Produktionsbüro und instabiler, temporärer Aneignung von Räumen für die programmatische Arbeit als ein Modell, das ein Feld von Möglichkeiten eröffnet, um das etablierte „stabile“ Modell der Kunsthalle neu zu denken. Die Untersuchung des Begriffspaars „Stabilität“ und „Instabilität“, ihrer gegenseitigen Vor- und Nachteile in Bezug auf die Frage der Kunstinstitution, bildet die konzeptuelle Klammer der Studie.

Beide Ansätze haben ihre inhärenten Möglichkeiten. Hoch kontrollierte Environments –abgeschlossene und neutrale Innenräume in einem stabilen architektonischen Gehäuse – garantieren die Autonomie der programmatischen und sozialen Struktur der Institution. Jede Nutzungsänderung steht daher in direkter Abhängigkeit zu den inhärenten Möglichkeiten architektonischer Elemente wie Wand, Boden und Decke. Instabile Institutionen hingegen versprechen die Verschmelzung mit dem urbanen Alltag der Umgebung. Sie sind definiert durch flexible, dynamische Grenzen. Im Gegensatz zu den architektonischen Strategien stabiler Institutionen besteht die „Materialstrategie“ hier aus unterschiedlichen Rhythmen von visueller Protektion und Exposition, Schnelligkeit und Langsamkeit, Lärm und Stille.
Der von „Spaces of Production“ entwickelte Ansatz versucht, „Stabilität“ und „Instabilität“ konstruktiv zusammen zu denken und damit eine Strategie für die European Kunsthalle vorzuschlagen, welche die Kunsthalle kommunal, regional, national und international im zeitgenössischen Diskurs positioniert. Angewandt auf die spezifische Situation in Köln entwickelten Nikolaus Hirsch, Philipp Misselwitz, Markus Miessen und Matthias Göhrlich drei verschiedene räumliche Strategien: eine instabile Konfiguration, eine stabile Strategie und ein Modell, das die Potentiale der beiden Varianten in einer wachsenden Institution zusammenführt.

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Publikationen

Institution Building. Artists, Curators, Architects in the Struggle for Institutional Space

Ed. by Nikolaus Hirsch, Philipp Misselwitz, Markus Miesen, Matthias Görlich. Sternberg Press, Berlin 2009, ISBN 978-1-933128-54-2

What defines the contemporary art space? Who are the authors in the construction of an institution? Is it possible to build an institution while producing art? In times in which artists create buildings, architects contribute to art exhibitions, and curators act like artists, it seems to be possible to rethink the classical role models, and thus to renegotiate the relation between art production, the exhibition and its spatial envelope.

European Kunsthalle 2005 2006 2007

Die Publikation „European Kunsthalle 2005 2006 2007“, herausgegeben von Vanessa Joan Müller und Astrid Wege, resümiert die Aktivitäten und Erfahrungen der European Kunsthalle während der Gründungsphase. Zugleich gewährt sie Ausblicke, wie das Projekt European Kunsthalle fortgesetzt werden kann. So wird u. a. die viel diskutierte Frage nach dem Verhältnis der inhaltlich-programmatischen Aktivitäten einer Institution für zeitgenössische Kunst und ihrer räumlich-architektonischen Verortung in dem Beitrag „Spaces of Production“ weitergedacht. Er skizziert ein Szenario zwischen traditionellem Ausstellungsraum und dezentraler, temporärer Positionierung als räumlich-physische Handlungsoption für die European Kunsthalle in Köln.

Die Publikation mit Beiträgen von Vanessa Joan Müller, Astrid Wege, Tom Holert, Julia Höner, Nikolaus Hirsch, Philipp Misselwitz, Markus Miessen und Matthias Görlich können Sie hier downloaden.

Die Frage des Tages

Entspricht eine Kunsthalle noch den heutigen Anforderungen und Bedürfnissen zeitgenössischer Kunstvermittlung und der Präsentation von Kunst? Welche Rolle nimmt die Kunst innerhalb sich verändernder gesellschaftlicher Rahmenbedingungen ein und welches sind die Parameter ihrer kulturellen Institutionen? Diese Ausgangsfragen stellte sich das Gründungsteam der European Kunsthalle von Juni 2005 bis Mai 2007 und gab sie in dem Web-Projekt „Die Frage des Tages“ an KünstlerInnen, KuratorInnen, KritikerInnen, GaleristInnen und TheoretikerInnen weiter. Das zum Abschluss des Projekts erschienene Buch versammelt ihre Antworten, Statements und Anregungen.

Herausgegeben von Nicolaus Schafhausen und Julia Moritz. Sternberg Press, Berlin 2007. ISBN 978-1-933128-29-0.

Under Construction.
Perspektiven Institutionellen Handelns

Im März 2006 präsentierte die EUROPEAN KUNSTHALLE mit „Under Construction“ eine Veranstaltungsreihe, die täglich an verschiedenen kulturellen Orten in Köln stattfand. Aktuelle Fragen zu Standortpolitik, Finanzierungsmodellen, Tendenzen in der zeitgenössischen Kunst und ihrer institutionellen Präsentation bildeten den thematischen Rahmen. Anliegen von „Under Construction“ war es, Vertreter unterschiedlicher Disziplinen zusammenzuführen und den Findungsprozess möglicher Parameter einer neuen europäischen Kunsthalle einer breiten Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Die Publikation „Under Construction. Perspektiven institutionellen Handelns“ dokumentiert einen Großteil dieser Veranstaltungen.

Herausgegeben von Vanessa Joan Müller und Nicolaus Schafhausen. Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln 2006. ISBN 978-3-86560-118-6 (deutsche Ausgabe), ISBN 978-3-86560-119-3 (englische Ausgabe).

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Kontakt

EUROPEAN KUNSTHALLE

Künstlerische Leitung: Vanessa Joan Müller
europeankunsthalle@gmail.com

 

Programmteam 2008-2010

Astrid Wege Leitung (Köln), Rike Frank (Berlin/Wien), Anders Kreuger (Lund/Vilnius)

 

Gründungsteam 2005-2007

Nicolaus Schafhausen (Gründungsdirektor), Vanessa Joan Müller (Wissenschaftliche Leitung), Nikolaus Hirsch, Markus Miessen, Philipp Misselwitz, Matthias Görlich (Spaces of Production)

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